Call for papers

CALL FOR PAPERS (English)

 

Itinera. Journal of Philosophy and Theory of the Arts

Special Issue edited by Valeria Maggiore e Davide Di Maio

 

Temporalities in Collision. Aesthetics, Arts, and Ecological Knowledge from the Origins of Ecology to the Anthropocene

In recent decades, the growing awareness of global ecological crises has brought the concept of the Anthropocene to the forefront, designating a new epoch in which human activity has become a geological force shaping the Earth system. While philosophical, political, and artistic debates have extensively addressed ecological risks and responsibilities, the aesthetic and temporal implications of the Anthropocene remain comparatively underexplored.

This special issue of Itinera aims to investigate the Anthropocene as a site of collision between heterogeneous temporal regimes: the deep time of the Earth, the biological temporalities of living beings, and the historical and cultural time of humanity. These temporal clashes challenge key modern dichotomies—nature/culture, subject/object, animate/inanimate, natural history/cultural history—and call for a rethinking of aesthetics beyond the paradigm of beauty, toward an understanding of aesthetics as a theory of perception, form, and relationality.

Adopting an interdisciplinary perspective, the issue explores how aesthetics, the arts, literature, and the sciences—from the nineteenth century to the present—have sought to give form and meaning to new experiences of ecological time. Particular attention will be paid to the period spanning from the emergence of scientific ecology in the nineteenth century to the ecological and political turns of the twentieth century, as well as to their contemporary resonances.

 

Topics may include (but are not limited to):

• Aesthetics and temporality in the Anthropocene
• Deep time between Earth sciences, philosophy, and the arts
• Genealogies of ecological thought (19th–20th centuries)
• Ecology, morphology, and relational thinking
• Visual arts, literature, and representations of natural time
• Environmental and ecological aesthetics: concepts and methods
• Non-human agency and the crisis of anthropocentrism
• Archaeologies of the sensible and ecological perception

 

The Call is open to scholars in philosophy, aesthetics, art history, literary studies, ecocriticism, history of science, and related fields.

 

Deadlines and submission guidelines

• Abstract submission (max 2,000 characters): 1 April 2026
• Notification of acceptance: 15 April 2026
• Full paper submission: 30 June 2026
• Expected publication: December 2026

Selected articles will undergo double-blind peer review and will be published open access. In their final version, submissions must be sent in accordance with the journal’s guidelines. Authors are required to attach three separate files, containing respectively:

• an abstract in English and a list of four keywords (also in English);
• the bibliography;
• the author’s name and email address.

For further information, please consult the journal’s guidelines:

https://docs.google.com/document/d/1JgOfGw-fFgBRcE6soapdPF38BsR1zytUy9KPEzXhqCg/edit?usp=sharing

Submissions should be sent to the guest editors of the issue and to the Editor-in-Chief at the following email addresses:

• Davide Di Maio (davide.dimaio@univr.it)
• Valeria Maggiore (valeria.maggiore@unipa.it)
• Maddalena Mazzocut-Mis (maddalena.mazzocut-mis@unimi.it)

Accepted languages: Italian, English, French, German

 

Itinera. Rivista di filosofia e teoria delle arti

Numero speciale a cura di Valeria Maggiore e Davide Di Maio

 

Temporalità in collisione. Estetica, arti e saperi ecologici dall’origine dell’ecologia all’Antropocene

Negli ultimi decenni, la crescente consapevolezza della crisi ecologica globale ha reso centrale il concetto di Antropocene, termine con cui si designa una nuova epoca in cui l’azione umana è divenuta una forza geologica capace di modificare profondamente i sistemi terrestri. Se il dibattito filosofico, politico e artistico ha ampiamente tematizzato le responsabilità antropiche e le conseguenze ambientali di tale crisi, meno esplorate sono state le sue implicazioni estetiche e temporali.

Il numero speciale di Itinera intende interrogare l’Antropocene come luogo di collisione tra regimi temporali eterogenei: il tempo profondo della Terra, le temporalità biologiche dei viventi, il tempo storico e culturale dell’umano. Questo scontro mette in crisi dicotomie fondative del pensiero moderno – natura/cultura, soggetto/oggetto, animato/inanimato, storia naturale/storia umana – e sollecita una riformulazione dell’estetica intesa non come teoria della bellezza, ma come scienza della percezione, delle forme e delle relazioni.

Muovendo da una prospettiva interdisciplinare, il fascicolo si propone di esplorare il ruolo svolto dall’estetica, dalle arti, dalla letteratura e dalle scienze tra XIX e XXI secolo nel tentativo di dare forma, visibilità e senso a queste nuove esperienze del tempo. Particolare attenzione sarà rivolta al periodo che va dalla nascita dell’ecologia scientifica ottocentesca fino alle svolte ecopolitiche del secondo Novecento, nonché alle loro risonanze contemporanee.

 

Possibili ambiti tematici includono (ma non si limitano a):

• Estetica e temporalità nell’Antropocene
• Il tempo profondo tra scienze della Terra, filosofia e arti
• Genealogie dell’ecologia tra Ottocento e Novecento
• Ecologia, morfologia e pensiero delle relazioni
• Arti visive, letteratura e rappresentazioni del tempo naturale
• Estetica ambientale ed ecologica: categorie, metodi, conflitti
• Antropocene, agency non-umana e crisi dell’antropocentrismo
• Archeologia del sensibile e storicità delle percezioni ecologiche

La Call è aperta a studiose e studiosi di filosofia, estetica, storia dell’arte, letteratura, ecocritica, storia della scienza e discipline affini.

 

Scadenze e modalità di invio

• Abstract (max 2000 caratteri): 01 aprile 2026
• Comunicazione di accettazione: 15 aprile 2026
• Consegna contributi completi: 30 giugno 2026

• Pubblicazione prevista: dicembre 2026

Gli articoli selezionati saranno sottoposti a double blind peer review e pubblicati in open access. Gli autori sono inoltre tenuti ad allegare tre file separati contenenti rispettivamente:

• un abstract in inglese e un elenco di quattro parole chiave (anch’esse in inglese);
• la bibliografia;
• il nome e l’indirizzo email dell’autore.

Per ulteriori informazioni consultare le norme della rivista:

 

https://docs.google.com/document/d/1JgOfGw-fFgBRcE6soapdPF38BsR1zytUy9KPEzXhqCg/edit?usp=sharing

 

I contributi devono essere inviati ai curatori del numero e alla Direttrice della rivista ai seguenti indirizzi email:

• Davide Di Maio (dimaio@univr.it)
• Valeria Maggiore (maggiore@unipa.it)
• Maddalena Mazzocut-Mis (mazzocut-mis@unimi.it)

 

Lingue accettate: Italiano, inglese, francese, tedesco

 

 

Pensare-Fare con il digitale.

Estetica, creatività e pratiche indisciplinate

A cura di A. Alison e S. Matetich

Il digitale non designa un insieme di strumenti né una semplice infrastruttura operativa, ma configura un ambiente di manifestazione del senso, un ambito in cui pensiero e azione si articolano in forme reciprocamente implicate. Pensare-fare con il digitale significa interrogare le condizioni attraverso cui l’esperienza prende forma in contesti mediati, là dove percezione, corporeità e operatività si intrecciano secondo logiche non riconducibili a una separazione tra soggetto e oggetto, mezzo e fine. Da questa prospettiva, il digitale si configura come un campo di co-implicazione, in cui agentività differenti – umane e non – concorrono alla produzione del senso. L’esperienza non è il risultato di un controllo unilaterale, ma il prodotto instabile di interazioni, risposte e resistenze, in cui la dimensione tecnica assume un carattere espressivo e performativo. Ciò che viene messo in gioco non è soltanto l’efficacia dell’azione, ma la forma stessa dell’esperienza che ne scaturisce.

L’esperienza digitale si dà così come esperienza intrinsecamente relazionale, in cui il corpo non è un semplice supporto biologico, ma il luogo di una negoziazione costante tra interiorità ed esternalità, tra gesto e risposta, tra intenzionalità e contingenza. In questo spazio di mediazione, l’azione non precede il pensiero né il pensiero governa l’azione: entrambi emergono come momenti di uno stesso processo, in cui il fare è già una forma di pensare e il pensare si realizza come pratica.

In quanto ambiente, il digitale non si limita a ospitare pratiche, ma le prefigura, incidendo sui modi del sentire, dell’orientarsi e dell’agire. Le sue strutture simboliche non funzionano come meri veicoli di rappresentazione, bensì come dispositivi di costituzione percettiva, capaci di modulare l’accesso al mondo e di riorganizzare l’esperienza sensibile. La percezione che ne deriva non è neutra né trasparente, ma situata, processuale, esposta a continue riconfigurazioni.

In tale orizzonte, la mediazione simbolica opera attraverso processi di trasposizione e di slittamento, rendendo possibile una riorganizzazione del rapporto tra sensibilità e concettualità. Le strutture metaforiche che attraversano gli ambienti digitali non svolgono una funzione ornamentale, ma partecipano attivamente alla genesi del significato, producendo nuove modalità di comprensione e nuove configurazioni percettive. Il senso emerge così come evento, come accadere che non precede l’esperienza, ma si genera nel suo stesso svolgimento.

Le pratiche che si sviluppano in questo contesto non possono essere ricondotte a discipline stabili né a metodologie predefinite. Esse si collocano piuttosto in una zona di indisciplina produttiva, in cui la creazione assume la forma di un’esplorazione aperta, capace di mettere in questione i propri presupposti e di rinegoziare continuamente i propri confini. In tali pratiche, il digitale non si configura come uno spazio da abitare, ma come un processo da attraversare: un campo di tensioni in cui percezione, immaginazione e conoscenza si co-costituiscono.

In un panorama in cui le discipline si intersecano generando contesti applicativi sempre nuovi, l’apporto del digitale intensifica questi crocevia di senso e di processo. La produzione non si fonda più su un unico ordine o paradigma, ma si articola attraverso una pluralità di logiche operative, adottando così un approccio intrinsecamente aperto, capace di rimettere continuamente in discussione i propri presupposti e i propri limiti.

L’indisciplinato, in questo contesto, prende forma a partire da pratiche autoriali, artistiche, performative e figurative, strettamente legate all’esperienza estetica. Non si tratta di un’indeterminatezza metodologica, ma di un posizionamento che assume le pratiche artistiche come luogo privilegiato di sperimentazione e di riflessione. In esse, il digitale non è soltanto un mezzo operativo, ma diventa riflesso, espressione e condizione delle pratiche stesse, incidendo sui modi del fare, del sentire e del pensare.

Questa call invita contributi che intendano interrogare il digitale come condizione esperienziale, come luogo in cui si ridefiniscono le modalità del sentire, del pensare e del fare. L’obiettivo è aprire uno spazio di riflessione teorica capace di accogliere approcci che assumano il digitale non come oggetto esterno di analisi, ma come orizzonte in cui il pensiero stesso è chiamato a misurarsi con le proprie

Le questioni che seguono non definiscono un ambito chiuso, ma tracciano alcune delle direzioni lungo cui potranno svilupparsi i contributi di questo numero.

• Il digitale come condizione esperienziale: configurazioni percettive, modalità di presenza e forme di accesso al mondo in ambienti mediati.
• Processi di mediazione e costituzione del senso: il ruolo di segni, codici e dispositivi nella riorganizzazione del rapporto tra sensibilità, concettualità e azione.
• Agentività distribuite e relazioni operative: dinamiche di co-implicazione tra soggettività, strutture tecniche e ambienti digitali nella produzione dell’esperienza.
• Pratiche di pensare-fare come modalità performative: intrecci tra gesto, operatività e riflessione in contesti digitali.
• Metaforicità, immaginazione e trasformazione concettuale: dispositivi di slittamento e riconfigurazione del senso negli ambienti digitali.
• Indisciplina e sperimentazione: pratiche teoriche, artistiche e culturali che mettono in questione confini disciplinari, metodologie stabilite e forme consolidate di conoscenza.
• Progettazione come pratica relazionale: il digitale inteso come campo di attraversamento, negoziazione e co-creazione di forme esperienziali.

Scadenze e modalità di partecipazione

Gli articoli devono essere inviati ai curatori del numero (per la sezione monografica) e alla Direttrice della rivista (maddalena.mazzocut-mis@unimi.it).

Gli autori sono inoltre tenuti ad allegare tre file separati contenenti:

un abstract in inglese e un elenco di quattro parole chiave (anch’esse in inglese);

la bibliografia;

il nome e l’indirizzo email dell’autore.

 

Numero di caratteri

• Articoli: tra000 e 40.000 caratteri (spazi inclusi).
• Recensioni: tra000 e 8.000 caratteri (spazi inclusi).

 

Deadline: 1° giugno 2026

Pubblicazione prevista: Dicembre 2026

I contributi devono essere inviati a:

Aurosa Alison (aurorarosa.alison@unior.it)

Sara Matetich (smatetich@unisa.it)

Lingue accettate: Italiano, inglese, francese, tedesco

 

Per ulteriori informazioni consultare le norme della rivista:

https://docs.google.com/document/d/1JgOfGw-fFgBRcE6soapdPF38BsR1zytUy9KPEzXhqCg/edit?usp=sharing.

 

 

 

Thinking–Making with the Digital

Aesthetics, Creativity, and Indisciplinary Practices

Edited by A. Alison and S. Matetich

 

The digital does not refer to a set of tools, nor to a mere operational infrastructure. Rather, it configures an environment for the manifestation of meaning-one in which thought and action articulate themselves in mutually implicated forms. To think-make with the digital means to interrogate the conditions through which experience takes shape in mediated contexts, where perception, corporeality, and operativity intertwine according to logics that cannot be reduced to a separation between subject and object, means and ends.

From this perspective, the digital emerges as a field of co-implication, in which different forms of agency-human and non-human-contribute to the production of meaning. Experience is not the result of unilateral control, but the unstable outcome of interactions, responses, and resistances, in which the technical dimension assumes an expressive and performative character. What is at stake is not merely the effectiveness of action, but the very form of the experience that emerges from it.

Digital experience thus appears as intrinsically relational. The body is not a mere biological support, but the site of a continuous negotiation between interiority and exteriority, between gesture and response, between intentionality and contingency. Within this space of mediation, action does not precede thought, nor does thought govern action. Rather, both emerge as moments of the same process, in which making is already a form of thinking, and thinking is realized as practice.

As an environment, the digital does not simply host practices, but actively prefigures them, shaping modes of perception, orientation, and action. Its symbolic structures do not function merely as vehicles of representation; they operate as devices of perceptual constitution, capable of modulating access to the world and reorganizing sensible experience. The perception that results is neither neutral nor transparent, but situated, processual, and continuously subject to reconfiguration.

Within this horizon, symbolic mediation operates through processes of transposition and displacement, enabling a reorganization of the relationship between sensibility and conceptuality. The metaphorical structures that traverse digital environments do not serve an ornamental function; rather, they actively participate in the genesis of meaning, producing new modes of understanding and new perceptual configurations. Meaning thus emerges as an event-something that does not precede experience, but is generated in its very unfolding.

The practices that develop in this context cannot be reduced to stable disciplines or predefined methodologies. Instead, they are situated within a zone of productive indisciplinarity, where creation takes the form of open exploration, capable of questioning its own presuppositions and continually renegotiating its boundaries. In such practices, the digital is not conceived as a space to be inhabited, but as a process to be traversed: a field of tensions in which perception, imagination, and knowledge are co-constituted.

In a contemporary landscape where disciplines increasingly intersect, generating ever new theoretical and applied contexts, the digital intensifies these crossings of meaning and process. Production no longer relies on a single order or paradigm, but unfolds through a plurality of operative logics, adopting an intrinsically open approach that continuously reconsiders its own assumptions and limits.

Indisciplinarity, in this context, takes shape through authorial, artistic, performative, and figurative practices closely tied to aesthetic experience. This is not a matter of methodological indeterminacy, but a deliberate positioning that recognizes artistic practices as privileged sites of experimentation and reflection. Within them, the digital is not merely an operative means, but becomes reflection, expression, and a constitutive condition of the practices themselves, shaping modes of making, sensing, and thinking.

This Call for Papers invites contributions that interrogate the digital as an experiential condition-one in which modes of sensing, thinking, and making are redefined. The aim is to open a space for theoretical reflection capable of accommodating approaches that consider the digital not as an external object of analysis, but as a horizon within which thought itself is called to confront its own conditions.

The following topics do not define a closed field, but outline some of the directions along which contributions to this issue may develop:

• The digital as an experiential condition: perceptual configurations, modes of presence, and forms of access to the world in mediated environments.
• Processes of mediation and the constitution of meaning: the role of signs, codes, and devices in reorganizing the relationship between sensibility, conceptuality, and action.
• Distributed agencies and operative relations: dynamics of co-implication between subjectivities, technical structures, and digital environments in the production of experience.
• Thinking-making practices as performative modalities: intersections of gesture, operativity, and reflection in digital contexts.
• Metaphoricity, imagination, and conceptual transformation: processes of displacement and reconfiguration of meaning in digital environments.
• Indisciplinarity and experimentation: theoretical, artistic, and cultural practices that challenge disciplinary boundaries, established methodologies, and consolidated forms of knowledge.
• Design as a relational practice: the digital understood as a field of traversal, negotiation, and co-creation of experiential forms.

Deadlines and Submission Guidelines

Articles should be sent to the editors of the issue (for the monographic section) and to the Director of the journal:

maddalena.mazzocut-mis@unimi.it

Authors are also required to submit three separate files containing:

• an abstract in English and a list of four keywords (also in English);
• a bibliography;
• the author’s name and email address.

Length

Articles: between 25,000 and 40,000 characters (spaces included).

Reviews: between 5,000 and 8,000 characters (spaces included).

 

Deadline: June 1, 2026

Expected publication: December 2026

Submissions should be sent to:

Aurosa Alison (aurorarosa.alison@unior.it)

Sara Matetich (smatetich@unisa.it)

Accepted languages: Italian, English, French, German

 

For further information, please consult the journal’s guidelines: https://docs.google.com/document/d/1JgOfGw-fFgBRcE6soapdPF38BsR1zytUy9KPEzXhqCg/edit?usp=sharing.

 

Itinerranze. Percorsi estetici, artistici e letterari nei paesaggi contemporanei

 

 

Curato da: Katia Botta (bottakatia@gmail.com), Serena Massimo (massimoserenak@gmail.com), Rita Messori (rita.messori@uninsubria.it), Emma Pavan (emmapav95@gmail.com), Emanuele Regi (emanuele.regi2@unibo.it)

 

 

In virtù della sua ricca polisemia, il paesaggio rappresenta il crocevia privilegiato di pratiche estetiche, ecologiche, artistiche e culturali in senso ampio. Intraprendere un’indagine relativa a tale oggetto significa anche interrogarsi sulle interrelazioni tra attività umana e ambiente, come avviene ad esempio nello studio delle forme di antropizzazione del territorio. L’attenzione via via crescente che artisti, attori, fotografi, scrittori e poeti hanno dedicato al paesaggio dà luogo, nella seconda metà del Novecento, ad una varietà di linee di ricerca che tendono a privilegiare la dimensione materica e percettiva dell’esperienza paesaggistica. Allo stesso tempo, il paesaggio continua a essere il frutto di un mutamento costante, di una poiesis artistica in cui componente antropica e dimensione naturale raggiungono sempre nuovi equilibri.

 

Il paesaggio sembra possedere, insomma, un vero e proprio «ritmo performativo» (Messori 2021), una valenza progettuale e linguistica, una sonorità. In quanto entità dinamica, relazionale e metamorfica, esso si sottrae a qualsiasi tentativo riduzione a “oggetto su cui agire” attraverso atti di dominazione e controllo, manifestandosi, piuttosto, come fenomeno per il quale l’unica forma di interazione possibile è quella della co-azione, del co-divenire (Besse 2020). Sottesa a tale ribellione al dominio e al controllo vi è l’incompatibilità del paesaggio con qualsiasi categorizzazione logico-concettuale fissa, i cui effetti reificanti rischierebbero di comportare la perdita della dimensione essenzialmente aisthetica, affettivo-corporea, che contraddistingue l’esperienza paesaggistica.

 

Partendo dal presupposto che, per quanto riguarda il paesaggio, si può parlare di «esperienza-con» piuttosto che di «esperienza-di» (Matteucci 2019), questo numero di «Itinera» si propone di indagare come l’incontro tra paesaggio e arte rappresenti un’esperienza aisthetica, capace cioè di restituire il carattere affettivo, relazionale ed emergenziale proprio del manifestarsi del senso estetico (ibidem). Uno degli aspetti centrali di questa esperienza è costituito, infatti, dal sentire quella che, per Erwin Straus, è la «paticità» (Straus 1930): il “come” percepiamo ciò che ci circonda e che riguarda, il modo in cui “ci si sente” nello spazio. Quest’ultimo non è, pertanto, da identificare tanto con lo spazio “fisico” in cui ci si orienta attraverso il calcolo di distanze e di posizionamenti tra luoghi relativi (Straus 1935, Schmitz 2019), ma va inteso, semmai, come uno spazio “sentito”, che ci tempesta di “inviti a sentire” o «affordances atmosferiche» (Griffero 2019, 2022, 2024). L’artista, in questo senso, può essere considerato come colui che non solo è in grado di raccogliere tali inviti, ma che è altresì capace di restituirci al nostro essere interconnessi rispetto a essi. Questi inviti, infatti, non ci limitiamo a riceverli e a trasmetterli rimodulati (secondo una metafora “telegrafica” dagli esiti “reificanti”, cf. Boissière 2021), ma contribuiamo attivamente alla loro attualizzazione, mentre essi, al contempo, consentono al nostro sentire e, con esso, al nostro corpo, di “prendere forma”. Le pratiche artistiche secondo questa prospettiva, sarebbero in grado di rendere manifesta la natura essenzialmente espressiva del paesaggio, poiché gli inviti a sentire da cui l’artista è attraversato implicano e presuppongono scarti, negoziazioni, riconfigurazioni di modi di sentirsi e di atteggiarsi, i quali trovano espressione in una corporeità che rinasce ogni volta.

 

È possibile, in questo senso, pensare un’inscindibilità della prassi artistica dal paesaggio: essa è infatti capace di prendere parte al “farsi” metamorfico di quest’ultimo e degli enti non-umani che lo abitano, sintonizzandosi con un operare dello spazio che è già essenzialmente “performativo” (cf. Austin 1962; Butler 1988; Barad 2007; Coole, Frost 2010). Karen Barad (2007), ad esempio, fa riferimento a un processo discorsivo di «intra-attività», che sfuma i confini tra le cose, mostrando la natura dinamica della materia, il suo essere «una coagulazione di agentività» (Barad 2007, 184). Il rapporto tra arte e natura, tra materia e creatività artistica, tra movimento corporeo e performatività, tra discorso corporeo-materiale e linguaggio verbale, sono solo alcune delle questioni sulle quali il paesaggio ci invita a riflettere, e rendono quest’ultimo uno di quei terreni dell’epistemologia contemporanea in cui sempre di più si incontrano studiosi provenienti da campi scientifici differenti.

 

Questo numero monografico vuole proporsi come un’occasione per la discussione delle possibili modalità e pratiche da adottare per elaborare un linguaggio metodologico comune, capace di costruire ponti tra diverse discipline. Il numero è pensato, quindi, come uno spazio di incontro e di scambio tra contributi che adottino le linee di ricerca più diverse, al fine di favorire una riflessione terminologica e di metodo grazie alla comparazione tra i più diversi approcci ermeneutici. Si pensi, nell’incontro con le discipline teatrali, alle camminate peripatetiche o alle scritture performative del paesaggio, che possono rappresentare l’occasione per esplorare un’estensione della «scrittura scenica, […] come processo comprensivo della progettualità artistica, individuale o collettiva, e dell’interferenza ambientale», per cui l’«arte del camminare [che] si diffonde […] è talvolta […] strategia di resistenza», oppure consente di «suscitare un incontro sociale, rituale», o ancora, permette di delineare «un modo per ridefinire la presenza dell’umano nel contesto dei viventi sulla base del pensiero ecologista» (Mazzaglia 2024: 190-192).

 

Le seguenti questioni esemplificano (ma non esauriscono) le tematiche che possono essere affrontate dai contributi accolti in questo numero:

 

• Ricerche sul paesaggio attraverso il filtro dell’Estetica, delle arti visive, performative e mediali, e/o della dimensione letteraria e poetica.
• Osservazioni, ricostruzioni e indagini di esperienze di artisti, performers, registi, scrittori, poeti particolarmente significative nella relazione con il paesaggio.
• Riflessione sull’agentività di alcuni elementi del paesaggio, umani e non (vegetali, animali, minerali, geologici, ecc.), sul loro ruolo nelle pratiche di creazione artistica e letteraria.
• Progettazione artistica e culturale pensata come pratica di co-creazione con il paesaggio (es. attraverso eventi e interventi che danno vita a nuovi modelli di relazione non-quotidiana con i luoghi: festival, residenze artistiche, architetture e altri progetti trasversali).

 

 

Deadline: 30 aprile 2026
I contributi devono  essere inviati a
Katia Botta (bottakatia@gmail.com),
Serena Massimo (massimoserenak@gmail.com),
Rita Messori (rita.messori@uninsubria.it),
Emma Pavan (emmapav95@gmail.com),
Emanuele Regi (emanuele.regi2@unibo.it)

Lingue accettate: Inglese, francese, spagnolo, tedesco italiano

 

 

Itinerranze. Aesthetic, artistic and literary journeys through contemporary landscapes

 

 

Edited by: Katia Botta (bottakatia@gmail.com), Serena Massimo (massimoserenak@gmail.com), Rita Messori (rita.messori@uninsubria.it), Emma Pavan (emmapav95@gmail.com), Emanuele Regi (emanuele.regi2@unibo.it)

 

 

By virtue of its rich polysemy, landscape represents a privileged crossroads of aesthetic, ecological, artistic and cultural practices in the broadest sense. Undertaking an investigation into this subject also means questioning the interrelationships between human activity and the environment, as is the case, for example, in the study of forms of anthropisation of the territory. The growing attention that artists, actors, photographers, writers and poets have devoted to landscape in the second half of the 20th century has given rise to a variety of lines of research that tend to favour the material and perceptual dimension of the landscape experience. At the same time, landscape continues to be the result of constant change, of an artistic poiesis in which the anthropic component and the natural dimension are constantly reaching new equilibriums.

 

In short, landscape seems to possess a real “performative rhythm” (Messori 2021), a design and linguistic value, a sonority. As a dynamic, relational and metamorphic entity, it eludes any attempt to reduce it to an “object to be acted upon” through acts of domination and control, manifesting itself instead as a phenomenon for which the only possible form of interaction is that of co-action, of co-becoming (Besse 2020). Landscape resists any “fixed” logical-conceptual categorisation, whose reifying effects would risk leading to the loss of the essentially aisthetic, affective-corporeal dimension that characterises the landscape experience.

 

Assuming that we can talk about “experience-with” rather than “experience-of” when it comes to landscape (Matteucci 2019), this issue of Itinera aims to investigate how the encounter between landscape and art represents an 'aesthetic' experience capable of restoring the affective, relational, and emergency character inherent in the manifestation of aesthetic sense (ibid.). A central aspect of this experience is what Erwin Straus (1930) calls “pathicity”: the “how” we perceive our surroundings and how they affect us; the way we “feel” in a space. The latter is not to be identified so much with the “physical” space in which we orient ourselves by calculating distances and positions between places, but rather as a “felt” space which bombards us with “invitations to feel” or “atmospheric affordances” (Griffero, 2019, 2022, 2024). In this sense, the artist is someone who can collect these invitations and restore our interconnectedness with them. These invitations are not simply received and transmitted in remodelled form (according to the “telegraphic” metaphor with “reifying” results — see Boissière, 2021), but we actively contribute to their realisation while they simultaneously allow our feelings, and therefore our bodies, to “take shape”. From this perspective, artistic practices reveal the expressive nature of landscapes, as the invitations that artists experience imply deviations, negotiations, and reconfigurations of ways of feeling and behaving.

 

In this sense, it is possible to conceive of an inseparable relationship between artistic practice and landscape. The former participates in the metamorphic “becoming” of the latter and the non-human entities that inhabit it. It attunes itself in a fundamentally “performative” way of operating in a space (cf. Austin 1962; Butler 1988; Barad 2007; Coole and Frost 2010). For example, Karen Barad (2007) refers to a discursive process of 'intra-activity', which blurs the boundaries between things and shows the dynamic nature of matter as “a coagulation of agency” (Barad, 2007, p. 184). The relationship between art and nature, matter and artistic creativity, bodily movement and performativity, and bodily-material discourse and verbal language are just some of the issues that landscape invites us to reflect on. This makes it one of those areas of contemporary epistemology where scholars from different scientific fields increasingly collaborate.

 

This monographic issue aims to facilitate discussion on potential methods and practices for developing a common methodological language that can bridge the gap between different disciplines. The issue is therefore conceived as a space for encounter and exchange between contributions adopting the most diverse lines of research, with a view to promoting reflection on terminology and methodology through comparison of diverse hermeneutic approaches. When it comes to theatrical disciplines, one might consider peripatetic walks or performative landscape writing, which could provide an opportunity to explore the concept of “scenic writing as a process encompassing artistic, individual or collective planning and environmental interference”, whereby the “art of walking” can manifest itself as “a strategy of resistance” (Mazzaglia, 2024: 190–192), or as a “social, ritual encounter”, or also as “a way of redefining the presence of humans in the context of living beings on the basis of ecological thinking”.

 

The following questions are intended to exemplify the range of topics that may be addressed by contributions accepted for this issue:

 

• Research on landscape through the lens of aesthetics, visual arts, performing arts, media arts and/or literary and poetic dimensions.
• Observations, reconstructions and investigations of significant artistic, performative, cinematic and literary experiences in relation to landscape.
• Reflection on the agency of certain elements of the landscape (both human and non-human, e.g. plants, animals, minerals and geological features) and their role in artistic and literary creation.
• Artistic and cultural design as a form of co-creation with the landscape, for example through events and interventions that establish new, non-everyday relationships with places, such as festivals, artist residencies, architecture and other cross-disciplinary projects.

 

 

Deadline: April 30, 2026
Submissions should be sent to:
Katia Botta (bottakatia@gmail.com),
Serena Massimo (massimoserenak@gmail.com),
Rita Messori (rita.messori@uninsubria.it),
Emma Pavan (emmapav95@gmail.com),
Emanuele Regi (emanuele.regi2@unibo.it)
Languages accepted: English, French, Spanish, German, Italian

 

Bibliography

Austin, J. L. (1962), How to Do Things with Words, Oxford, Oxford University Press.

Barad, K. (2007), Meeting the Universe Halfway: Quantum Physics and the Entanglement of Matter and Meaning, Durham, Duke University Press.

Besse, J.-M. (2020), Paesaggio ambiente. Natura, territorio, percezione, Roma, DeriveApprodi.

Boissière, A. (2023), L’Art et le vivant du jeu, Liège, Presses Universitaires de Liège.

Butler, J. (1988), Performative Acts and Gender Constitution. An Essay in Phenomenology and Feminist Theory, in Theatre Journal, 40, pp. 519–531.

Careri, F. (2006), Walkscapes. Camminare come pratica estetica, Torino, Einaudi.

Coole, D., Frost, S. (2010), Introduction: The New Materialisms, in Coole, D., Frost, S. (a cura di), New Materialisms. Ontology, Agency, and Politics, Durham-London, Duke University Press.

Griffero, T. (2019), Atmospheres. Aesthetics of Emotional Spaces, London–New York, Routledge.

Griffero, T. (2022), They are There to be Perceived, in Djebbara, Z. (a cura di), Affordances in Everyday Life. A Multidisciplinary Collection of Essays, Cham, Springer, pp. 85–95.

Griffero, T. (2024), Being a Lived Body. From a Neo-Phenomenological Point of View, London–New York, Routledge.

Haraway, D. (1988), Situated Knowledges: The Science Question in Feminism as a Site of Discourse on the Privilege of Partial Perspective, in Feminist Studies, 14(3), pp. 575–599.

Matteucci, G. (2019), Estetica e natura umana. La mente estesa tra percezione, emozione ed espressione, Roma, Carocci.

Mazzaglia, R. (2024), Teatri altri. Dallo spazio al paesaggio della scena italiana, Imola, CuePress.

Messori, R. (2023), Il ritmo performativo del paesaggio, in Studi di estetica, 49(4), pp. 1–16.
 DOI: https://doi.org/10.7413/18258646174

Schmitz, H. (2019), System der Philosophie, II, 2: Der Leib im Spiegel der Kunst (1966), Freiburg–München, Karl Alber.

Straus, E. (1956), Vom Sinn der Sinne. Ein Beitrag zur Grundlegung der Psychologie (1935), Berlin–Göttingen–Heidelberg, Springer.

Straus, E. (1960), Die Formen des Räumlichen. Ihre Bedeutungen für die Motorik und die Wahrnehmung (1930), in Psychologie der menschlichen Welt. Gesammelte Schriften, Berlin–Heidelberg, Springer, pp. 141–178.

 

Itinera, 32 (2026)

The Aesthetic Aspects of Metaphor: Philosophical Perspectives on an Interdisciplinary Dialogue

Edited by: Alice Giuliani (alice.giuliani@unimore.it), Francesca D'Alessandris (francesca.dalessandris@unimore.it), Marco Franceschina (marco.franceschina@unimi.it)

Metaphor is a linguistic device that, since the mid-twentieth century, has gained new relevance in philosophical discourse, becoming the subject of a cross-disciplinary debate (Ortony 1979; Johnson 1981). Starting from Ivor Armstrong Richards’ The Philosophy of Rhetoric (1936) and M. Black’s interaction view (1954, 1962, 1977), the cognitive and creative aspects of metaphor have become central in Paul Ricoeur’s hermeneutics (1975). Subsequently, the theme of metaphor was largely assimilated into cognitive-inspired studies on concept formation, beginning with the seminal work of Lakoff and Johnson (1980). More recently, the role of metaphor in communication and meaning-making has been further developed and explored in a pragmatist framework (Sperber and Wilson 2002; Carston 2018). With the cognitive turn, metaphor has increasingly emerged as a multidisciplinary topic, circulating across different fields as linguistics, psychology, and learning studies.

In this issue of Itinera, we aim to reclaim a philosophical perspective on the aesthetic aspects of metaphor. These aspects constitute a promising research topic for a renew philosophical debate on metaphor, engaging with its interdisciplinary nature from a standpoint different from the cognitive paradigm.

In contemporary studies, the aesthetic dimensions of metaphor serve as a bridge between various approaches and disciplinary fields: consider research on embodied cognition (Gibbs 2005) and metaphorical creativity in psychology (Glicksohn and Goodblatt 1993), or linguistic inquiries into the innovating power of metaphor (Prandi 2017; Glucksberg and Haugh 2006; Steen 2010). The aesthetic dimension of metaphor has also become central in communication theories, which, following Forceville (1998), examine the status of visual metaphors—characterized by greater immediacy, stronger emotional impact, and a more explicit interpretative nature.

Reflecting on the aesthetic aspects of metaphor provides an important opportunity for dialogue not only across disciplines but also among different philosophical traditions. The sensorial, visual, emotional, and creative dimensions of metaphor, along with its intuitive and imaginative nature, raise intriguing questions for analytic philosophy, hermeneutics, constructivist theories, and phenomenology alike. The aesthetic aspects of metaphor have been a cross-cutting research subject in philosophy since the mid-twentieth century. In analytic philosophy, Black—one of the leading figures in twentieth-century metaphor studies—grasped how the aesthetic character of seeing-as was crucial to explaining the thinking-as of metaphor and its capacity to establish an objective meaning (1977, 1979). Ricœur, for his part, expanded Black’s theory in a hermeneutic direction, suggesting that a “living metaphor” corresponds to a semantic impertinence and a “discourse strategy” capable of releasing a “second-degree reference” through which reality itself can be redescribed. Later, with the cognitive turn of the 1980s, research on the embodied nature of concepts identified metaphor as the cognitive schema mediating between sensory experience and the formation of abstract concepts, opening new avenues for investigation. Recent aesthetic studies have highlighted the link between metaphor’s cognitive and innovative value by conceptualizing it as an example of imaginative rationality (Contini 2013, 2020) and exploring its educational implications in dialogue with science education (Fuchs et al. 2018). In epistemology, research on the emotions accompanying knowledge processes and their relationship with aesthetic emotions suggests new possibilities for justifying a connection between metaphor’s expressive power and its cognitive and metacognitive value.

This issue of Itinera aims to gather contributions that can broaden the philosophical dialogue on the aesthetic aspects of metaphor. The publication particularly seeks to foster research into new categories for addressing these aspects, drawing on a reinterpretation of the interdisciplinary dialogue surrounding them and engaging with the language of literary and artistic disciplines.

The special issue will focus, among others, on the following topics:

• The aesthetic aspects of cognitive metaphor: the “perspective shift” between framing theories, constructivism, and phenomenology.
• The aesthetic aspects of cognitive metaphor: intuitive perception, with particular attention to the Aristotelian notion of “insight”
• Metaphors and embodiment: exploring the embodied nature of conceptual and linguistic metaphors.
• Creativity as an aesthetic aspect of metaphor in contemporary linguistics and philosophy: analysis of meaning transfer and semantic innovation.
• Metaphor as a model for interpreting the symbolic aspect of artistic creation.
• Conventional and new metaphors: aesthetic aspects of their distinction.
• Metaphor as a specific linguistic figure: the perspective of a philosophical rhetoric.
• The aesthetic aspects of linguistic and visual metaphors: immediacy, emotional impact, interpretative nature.
• Aesthetic and epistemic emotions: an inquiry into their role in learning processes and, through metaphor mediation, in knowledge construction.
• The function of metaphor in expressing emotions and aesthetic experiences through language, with an analysis of its potential implications for education.

 

Languages accepted: English, Italian, French, Spanish. 

 

Articles must follow Itinera editorial standards (https://riviste.unimi.it/index.php/itinera/norme) and be between 25,000 and 40,000 characters.

 

 

Articles should be sent to: 

 

Alice Giuliani (alice.giuliani@unimore.it)

Francesca D'Alessandris (francesca.dalessandris@unimore.it)

Marco Franceschina (marco.franceschina@unimi.it)

 

Deadline: 31 July 2026

Expected release: December 2026

 

Itinera, 32 (2026)

Aspetti estetici della metafora: prospettive filosofiche a partire da un dialogo interdisciplinare

 

A cura di: Alice Giuliani, Francesca D'Alessandris, Marco Franceschina

 

Descrizione

La metafora è un dispositivo del linguaggio che a partire dalla metà del Novecento ha acquisito una nuova rilevanza in ambito filosofico, diventando oggetto di un dibattito trasversale (Ortony 1979; Johnson 1981). A partire dalla filosofia della retorica di Ivor Armstrong Richards (1936) e dalla “interaction view” (prospettiva interattiva) di M. Black (1954, 1962, 1977), l’aspetto conoscitivo e creativo della metafora è diventato poi centrale nell’ermeneutica di Paul Ricoeur (1975). In seguito, il tema della metafora è stato assimilato in buona parte negli studi di ispirazione cognitivista sulla formazione dei concetti, a partire dallo studio seminale di Lakoff e Johnson (1980). Più recentemente, il ruolo della metafora nella comunicazione e nella costruzione di significato ha trovato sviluppo e fortuna in ambito pragmatista (Sperber e Wilson 2002, Carston 2018). A partire dalla svolta cognitivista, la metafora è diventata sempre più chiaramente un tema multidisciplinare, attraversando la linguistica, la psicologia, gli studi sull’apprendimento.

In questo numero della rivista Itinera ci proponiamo di recuperare una prospettiva filosofica sugli aspetti estetici della metafora. Questi ultimi costituiscono una chiave feconda per rilanciare il confronto filosofico sul tema, intercettandone l'interdisciplinarietà da un punto di vista differente rispetto al paradigma cognitivista. Negli studi contemporanei, gli aspetti estetici della metafora fanno infatti da ponte tra diversi approcci e ambiti disciplinari: si pensi agli studi sull’embodied cognition (Gibbs 2005) e sulla creatività metaforica in psicologia (Glicksohn e Goodblatt 1993), o alla linguistica che si concentra sul potere innovativo della metafora (Prandi 2017, Glucksberg e Haugh 2006, Steen 2010). La dimensione estetica della metafora è diventata inoltre centrale per le teorie della comunicazione che, a partire da Forceville (1998), si interrogano sullo statuto delle metafore visive, caratterizzate da una maggiore immediatezza, più forte impatto emotivo e da una più schietta natura interpretativa.

La riflessione sugli aspetti estetici della metafora offre un’importante occasione per un confronto non soltanto tra discipline, ma anche tra tradizioni filosofiche differenti: la sensorialità, l’aspetto visivo, emotivo e creativo della metafora, nonché il suo carattere intuitivo e immaginativo suggeriscono interrogativi interessanti tanto per la filosofia analitica quanto per l’ermeneutica, per le teorie costruttiviste e per la fenomenologia. Gli aspetti estetici della metafora costituiscono un oggetto di ricerca trasversale in filosofia già dalla metà del secolo scorso: in filosofia analitica, Black, uno dei maggiori protagonisti del dibattito sulla metafora del Novecento, aveva intuito come il carattere estetico del “vedere-come” fosse importante per spiegare il “pensare-come” della metafora e la sua capacità di istituire un significato oggettivo (1977, 1979).  Ricœur, da parte sua, ha ampliato la teoria di Black in chiave ermeneutica, suggerendo che una “metafora viva” corrisponda a un’impertinenza semantica e a una “strategia del discorso” capace di liberare una “referenza di secondo grado” tramite la quale la realtà stessa può essere ridescritta (Ricœur 1975). In seguito, a partire dalla svolta cognitiva degli anni Ottanta, gli studi sulla natura incarnata (embodied) dei concetti hanno individuato nella metafora lo schema cognitivo di mediazione tra l’esperienza sensoriale e la formazione di concetti astratti, aprendo nuove frontiere di approfondimento. Recenti studi di estetica hanno messo in luce il legame tra valore cognitivo e innovativo della metafora pensandola come esempio di una razionalità immaginativa (Contini 2013, 2020) ed esplorandone le implicazioni educative in dialogo con la science education (Fuchs et al. 2018). In ambito epistemologico, la ricerca sulle emozioni che accompagnano i processi di conoscenza e sul loro rapporto con le emozioni estetiche suggerisce nuove possibilità per giustificare un legame tra la capacità espressiva della metafora e il suo valore cognitivo e metacognitivo. Questo numero di Itinera intende raccogliere contributi che possano ampliare il dialogo filosofico sugli aspetti estetici della metafora. La pubblicazione mira in particolare a sostenere la ricerca di nuove categorie per trattare questi aspetti, a partire da una reinterpretazione del dialogo interdisciplinare di cui sono oggetto e attingendo anche al linguaggio delle discipline letterarie e artistiche.

Il numero speciale si concentrerà, tra gli altri, sui seguenti argomenti:

• Aspetti estetici della metafora cognitiva: il “cambio di prospettiva” tra teorie del framing, costruttivismo e fenomenologia.
• Aspetti estetici della metafora cognitiva: percezione intuitiva, con particolare attenzione allo “sguardo” aristotelico.
• Metafore e incarnazione: esplorazione del carattere incarnato delle metafore concettuali e linguistiche.
• La creatività come aspetto estetico della metafora nella linguistica e nella filosofia contemporanee: analisi del trasferimento di significato e dell’innovazione semantica.
• La metafora come modello per interpretare l’aspetto simbolico della creazione artistica
• Metafore convenzionali e nuove: aspetti estetici della loro distinzione.
• La metafora come figura specifica del linguaggio: il punto di vista di una retorica "filosofica”.
• Aspetti estetici delle metafore linguistiche e visive: immediatezza, impatto emotivo, carattere interpretativo.
• Emozioni estetiche ed epistemiche: indagine sul loro ruolo nei processi di apprendimento e, attraverso la mediazione della metafora, nella costruzione della conoscenza.
• La funzione della metafora nell’esprimere emozioni ed esperienze estetiche attraverso il linguaggio, con un’analisi delle sue potenziali conseguenze per l'educazione.

 

Lingue accettate: Inglese, Italiano, Francese, Spagnolo.

Gli articoli devono rispettare le norme redazionali della rivista  (https://riviste.unimi.it/index.php/itinera/norme) ed essere compresi fra le 25.000 e le 40.000 battute.

Gli articoli devono essere inviati a:

 

Alice Giuliani (alice.giuliani@unimore.it)

Francesca D'Alessandris (francesca.dalessandris@unimore.it)

Marco Franceschina (marco.franceschina@unimi.it)

 

Gli articoli dovranno pervenire entro il 31 luglio 2026

 

Uscita prevista: dicembre 2026

 

 

 

Itinera, 31 (2026)

Ernst Cassirer 1995-2025: Contemporary Reception

  In 1995, the well-known journal ‘Rivista di storia della filosofia’ (founded in 1946 by Mario Dal Pra) published a monographic issue entitled Ernst Cassirer 50 years later, which attempted to take stock, fifty years after the German philosopher’s death, of the ever-growing interest his work aroused in various cultural circles and traditions. In the meantime, the Internationale Ernst Cassirer-Gesellschaft was founded in Hamburg in 1993, and in 1995 Meiner Verlag began the ‘monumental’ project of publishing the Nachgelassene Manuskripte und Texte and the Gesammelte Werke (Hamburger Ausgabe). And it was in this context that the Cassirer-Renaissance began to be discussed on an international level. As Riccardo Lazzari wrote, «the speculative breadth of Cassirer’s thought explains why his work was destined to influence contemporary philosophy with an intensity unknown to other thinkers of neo-Kantian origin and to anticipate some of the most recent theoretical programs, such as the linguistic turn in philosophy and the extension of a semiotic perspective to the complex of cultural studies». While in the first 50 years a ‘sectoral’ reception of his thought prevailed, in recent decades there has been a broad orientation towards a reconsideration of the unified dimension of the heterogeneity of themes and problems that characterized Cassirer’s entire speculation.

Looking at the scope and interactions between the different types of knowledge in the recently published studies, it seems that the potential of Cassirer’s philosophy has not been fully realized. Rather, it has increasingly been re-examined from a systematic, transdisciplinary and socially relevant perspective to answer contemporary questions about the current relevance of a philosophy of culture. In this sense, Cassirer's reception has entered a new phase of valorization. From research on knowledge and the theory of perception to the new fields of symbolic formation such as the different forms of art, capital and virtuality, to the tension between democracy and myth. This new renaissance has therefore required a careful analysis of the methods and the systematically most important aspects of his work. In view of what has been summarized here, with this call for papers we would like to invite contributions that deal with the lines of research pursued over the thirty years.

 

The call is addressed to scholars from all fields in which Cassirer’s philosophy has exerted both disciplinary and interdisciplinary influence: pedagogy, philosophy, sociology, epistemology, aesthetics, anthropology, architecture. While Cassirer’s fields of knowledge appear to be closely interlinked, as can be seen from the overall structure of his Philosophie der symbolischen Formen, the current reception perspective is also directed towards his more ‘sectoral’ dimension.

 

Deadline for the submission of essays: February 2026

 

Planned publication: July 2026

 

The accepted languages are Italian, English and French.

 

Articles should be sent to the following e.mail: ivana.randazzo@unict.it e a domenico.spinosa@univaq.it

 

 

Itinera, 31 (2026)

Ernst Cassirer 1995-2025: Contemporary Reception

Nel 1995 la nota “Rivista di storia della filosofia” (fondata da Mario Dal Pra nel 1946) pubblicò un fascicolo monografico dal titolo Ernst Cassirer 50 anni dopo, in cui si provava a fare i conti, a cinquant’anni di distanza della morte del filosofo tedesco, con il sempre più crescente interesse che la sua opera andava destando in ambiti e tradizioni culturali diversi. Intanto, nel 1993, veniva fondata in Germania, ad Amburgo, la Internationale Ernst Cassirer-Gesellschaft e, sempre nel 1995, si avviò il progetto “monumentale”, per l’editore Meiner, relativo alla pubblicazione dei Nachgelassene Manuskripte und Texte e dei Gesammelte Werke (Hamburger Ausgabe). Ed è a partire da questo contesto che s’iniziò a parlare, a livello internazionale, della Cassirer-Renaissance. Come scriveva Riccardo Lazzari, «proprio l’ampiezza speculativa del pensiero di Cassirer spiega perché la sua opera fosse destinata ad incidere sulla filosofia contemporanea con un’intensità sconosciuta ad altri pensatori di provenienza neokantiana e a precorrere alcuni dei programmi teorici più recenti, come il linguistic turn nella filosofia e l’estensione di una prospettiva semiotica al complesso delle scienze della cultura». Infatti, mentre nei primi ’50 anni è prevalsa una ricezione “settoriale” del suo pensiero, negli ultimi decenni si riscontra un ampio orientamento a riconsiderare la dimensione unitaria di quella eterogeneità di temi e problemi che ha caratterizzato nel complesso l’intera speculazione cassireriana. 

 

Stando alla mole e alle interazioni tra saperi diversi degli studi pubblicati di recente, il potenziale della filosofia di Cassirer non sembra essersi affatto esaurito. In realtà, è stato sempre più ripreso in una prospettiva sistematica, transdisciplinare e socialmente rilevante per affrontare questioni contemporanee intorno all’attualità di una filosofia della cultura. In questo senso, la ricezione di Cassirer si è venuta a trovare in una nuova fase di valorizzazione. Dalla ricerca sulla conoscenza e dalla teoria della percezione ai nuovi ambiti della formazione simbolica come le diverse forme d’arte, il capitale e la virtualità, fino al rapporto teso tra democrazia e mito. Questa nuova Renaissance ha dunque comportato un’accorta analisi intorno alle metodologie e sugli aspetti sistematicamente più pregnanti della sua opera. Alla luce di quanto in sintesi viene qui ricostruito, intenzione della presente call è quella di invitare a presentare contributi che prendano in esame linee di ricerca perseguite nel trentennio di riferimento. 

 

La call si rivolge a studiose e studiosi di tutti gli ambiti in cui la filosofia di Cassirer ha esercitato una influenza sia disciplinare che interdisciplinare: pedagogia, filosofia, sociologia, epistemologia, estetica, antropologia, architettura. Se in Cassirer i campi del sapere appaiono strettamente legati come emerge dall’impianto complessivo della sua Philosophie der symbolischen Formen, la prospettiva attuale di ricezione guarda anche alla sua dimensione più “settoriale”.

 

Deadline per la consegna dei saggi: febbraio 2026

 

Uscita prevista: luglio 2026

 

Le lingue accettate sono l’italiano, l’inglese e il francese.

 

Gli articoli devono essere inviati a ivana.randazzo@unict.it e a domenico.spinosa@univaq.it

 

Itinera, 29 (2025)

Aesthetics of Biodiversity

edited by E. Di Stefano, V. Maggiore, S. Tedesco
The term biodiversity (a translation from the English biodiversity, itself an abbreviation of the term biological diversity) was coined in 1988 by the American entomologist Edward O. Wilson (1929-2021) by juxtaposing the Greek term bios (which indicates the linear life of living beings, i.e. life that has a beginning and an end and is opposed to zoè, cyclical life) with the Latin diversitas (diversity). By juxtaposing terms from different historical and cultural backgrounds, the intention is also etymologically to emphasise the value of variety, considering it a wealth to be preserved. The UN Convention on Biological Diversity (CBD), adopted in Nairobi (Kenya) in 1992 and now ratified by 192 countries, defines biodiversity as the diversity and variability of living organisms and the ecological systems in which they live, emphasising that the loss of biodiversity represents a global environmental threat and that diversity must be protected:
- at the genetic level, meaning genetic diversity within a single species;
- at the species level, thus explicitly referring to the importance of preserving the richness of species living on our planet, a richness that can be measured either in terms of numbers (quantifying the number of species present in a given area) or species frequency (i.e. their rarity or abundance in a given territory)
- at the ecosystem level, i.e., defining the number and abundance of habitats, communities, and ecosystems within which different organisms live and evolve.
Today, safeguarding biodiversity is a crucial issue. It should be a moral imperative for capitalist and industrialised countries that often put the reasons for profit before those of the planet’s health. In Italy, the centrality of this issue is confirmed by the establishment of the National Biodiversity Future Centre (NBFC - https://www.nbfc.it/). This interdisciplinary centre aims to combine national scientific research excellence and modern technologies to monitor, conserve, restore and enhance Italian and Mediterranean biodiversity. However, the dialogue that the hard sciences have initiated with the humanities could be deeper and more productive than the one currently underway.
With the conviction that only the overcoming of the ‘two cultures’ paradigm will allow the ecological challenges of our time to be tackled adequately from a conceptual and operational point of view, in this monographic issue of the journal Itinera, we propose to open a complete and authentic interdisciplinary dialogue between humanistic knowledge and the natural sciences. Specifically, we propose to investigate the capacity of Aesthetics to dialogue with disciplines that study the environment, living beings and human beings (natural and biological sciences, literature, art history, historical, political, social and economic sciences), also promoting their reciprocal relationship from a methodological point of view given a rethinking of green thinking, which is now more urgent than ever. A dialogue that does not represent the outcome of a linear conceptual path but the point of arrival of a work of ‘etymological-conceptual rediscovery’ that, in the last decades of the 20th century, has made it possible to return once again to the 18th-century roots of the discipline of aesthetics, affirming its status as a non-specialist philosophy. Indeed, if, as Gernot Böhme suggests, ‘we approach the field of aesthetics by appealing to the questions of an extended ecology, the door is opened to another aesthetics, very different from the previous one’ (G. Böhme, Für eine ökologische Naturästhetik, Suhrkamp, Frankfurt am M. 1999, p. 7), a Natural Aesthetics that allows us to grasp the innovative impulses for the present, bringing this philosophical discipline ever closer to ecological issues.
Issue 29 of the journal Itinera is therefore dedicated to analysing the relationship between Aesthetics and Biodiversity, attempting to make a conceptual clarification and a reflection on method, and weaving a dense dialogue with scientific, philosophical and artistic-literary disciplines. Below are some possible areas for discussion:
- The aesthetic appreciation of biodiversity and its value for the Earth’s ecosystem in general and human life in particular: methodological reflections, terminological analysis and theoretical implications in the contemporary aesthetic debate;
- Biodiversity and plasticity of the organic: historical-philosophical interpretations of the relationship between the concepts of unity, variety and variability of the living and their actualisation in contemporary reflection;
- The role of Environmental Aesthetics in strategies of cultural, environmental and social value aiming at the protection and management of biological diversity, with particular attention to the theme of research-action related to the enhancement of biodiversity;
- Aesthetics, BioArt and EcoArt: debates, reflections and suggestions around the theme of organic art and environmental art, with a focus on the ability of these artistic currents to raise public awareness of ecological issues, promoting sustainability and encouraging a more harmonious relationship with nature.
- Biodiversity and its narratives: literary, cinematographic and artistic openings highlighting the richness of Italy’s terrestrial and marine biological heritage and beyond.
- The importance of Urban biodiversity. This latter is intended to contribute to cities’ sustainability and resilience and improve the quality of natural resources such as air, water, and soil. This also includes the relationship between biodiversity and human well-being, which is fundamental for preventing stress in the various categories of citizens and promoting healthier lifestyles.

Deadline for submission of essays: 31 March 2025

Planned release: July 2025

The accepted languages are Italian, English and French.

Articles should be sent to:
elisabetta.distefano@unipa.it
valeria.maggiore@unipa.it
salvatore.tedesco@unipa.it

 

Itinera 29 (2025) 
Estetica della biodiversità
a cura di E. Di Stefano, V. Maggiore, S. Tedesco
Il termine biodiversità (traduzione dall’inglese biodiversity, a sua volta abbreviazione della dizione biological diversity) è stato coniato nel 1988 dall’entomologo americano Edward O. Wilson (1929-2021) accostando il termine greco bios (che indica la vita lineare degli esseri viventi, cioè la vita che ha un inizio e una fine e si contrappone alla zoè, la vita ciclica) al latino diversitas (diversità). Accostando termini provenienti da ambiti storico-culturali differenti, s’intende sottolineare anche etimologicamente il valore della varietà, considerando quest’ultima una ricchezza da preservare. La Convenzione ONU sulla Diversità Biologica (Convention on Biological Diversity – CBD), adottata a Nairobi (Kenya) nel 1992 e oggi ratificata da 192 paesi, definisce, infatti, la biodiversità come la molteplicità e la variabilità degli organismi viventi e dei sistemi ecologici in cui questi ultimi vivono, sottolineando che la perdita di biodiversità rappresenta una minaccia ambientale globale e che la diversità deve essere tutelata:
- a livello genetico, intendendo con tale dizione la diversità genetica all’interno di una stessa specie;
- a livello di specie, facendo quindi esplicito riferimento all’importanza di preservare la ricchezza di specie che vivono sul nostro pianeta, una ricchezza misurabile sia in termini numerici (quantificando il numero di specie presenti in una determinata zona) o di frequenza delle specie (cioè, la loro rarità o abbondanza in un determinato territorio)
- a livello ecosistemico, definendo cioè il numero e l’abbondanza degli habitat, delle comunità viventi e degli ecosistemi all’interno dei quali i diversi organismi vivono e si evolvono.
Oggi la salvaguardia della biodiversità è un tema cruciale e dovrebbe essere un imperativo morale per i Paesi capitalistici e industrializzati che spesso antepongono le ragioni del profitto a quelle della salute del pianeta. In Italia la centralità di questo tema trova conferma nell’istituzione del National Biodiversity Future Center (NBFC – https://www.nbfc.it/). Questo centro interdisciplinare ha la finalità di aggregare la ricerca scientifica nazionale di eccellenza e le moderne tecnologie al fine di monitorare, conservare, ripristinare e valorizzare la biodiversità italiana e mediterranea. Tuttavia, il dialogo che le scienze dure hanno avviato con quelle umanistiche potrebbe essere più profondo e produttivo di quello attualmente in corso.
Con la convinzione che solo il superamento del paradigma delle “due culture” permetta di affrontare adeguatamente da un punto di vista concettuale e operativo le sfide ecologiche del nostro tempo, nel presente numero monografico della rivista Itinera ci proponiamo di aprire un dialogo interdisciplinare compiuto e autentico fra saperi umanistici e scienze naturali. Nello specifico, ci propiniamo d’indagare la capacità dell’Estetica di dialogare con discipline che hanno come oggetto di studio l’ambiente, gli esseri viventi e l’essere umano (scienze naturali e biologiche, letteratura, storia dell’arte, scienze storiche, politiche, sociali ed economiche), promuovendo anche da un punto di vista metodologico il loro reciproco relazionarsi in vista di un ripensamento del pensiero green, oggi avvertito più che mai come urgente. Un dialogo che non rappresenta l’esito di un percorso concettuale lineare, ma il punto di arrivo di un lavoro di “riscoperta etimologico-concettuale” che, negli ultimi decenni del XX secolo, ha permesso di ritornare ancora una volta alle radici settecentesche della disciplina estetica, affermandone lo statuto di filosofia non speciale. Se difatti, come suggerisce Gernot Böhme, «affrontiamo il campo dell’estetica facendo appello alle domande di un’ecologia estesa, si apre la porta a un’altra estetica, molto diversa dalla precedente» (G. Böhme, Für eine ökologische Naturästhetik, p. 7), un’Estetica naturale che ci consente di cogliere le spinte innovative per il presente, avvicinando sempre più tale disciplina filosofica alle tematiche ecologiche.
Il numero 29 della rivista Itinera è quindi dedicato all’analisi del rapporto fra Estetica e Biodiversità, tentando di operare una chiarificazione concettuale e una riflessione di metodo e di intrecciare un fitto dialogo tanto con le discipline scientifiche, quanto con quelle filosofiche e artistico-letterarie. Di seguito si riportano alcuni possibili ambiti di discussione:
- L’apprezzamento estetico della biodiversità e il suo valore per l’ecosistema terrestre in generale e la vita umana in particolare: riflessioni di metodo, analisi terminologica e implicazioni teoriche nel dibattito estetico contemporaneo;
- Biodiversità e plasticità dell’organico: interpretazioni storico-filosofiche del rapporto fra i concetti di unità, varietà e variabilità del vivente e loro attualizzazioni nella riflessione contemporanea;
- Il ruolo dell’Estetica ambientale nelle strategie di valore culturale, ambientale e sociale che mirino alla tutela e alla gestione della diversità biologica, con particolare attenzione al tema della ricerca-azione legato alla valorizzazione della biodiversità;
- L’Estetica, la BioArt e l’EcoArt: dibattiti, riflessioni e suggestioni intorno al tema dell’arte organica e dell’arte ambientale, con particolare attenzione alla capacità di tali correnti artistiche di sensibilizzare il pubblico riguardo alle questioni ecologiche, promuovendo la sostenibilità e incoraggiando un rapporto più armonioso con la natura.
- La biodiversità e le sue narrazioni: aperture letterarie, cinematografiche e artistiche volte a valorizzare la ricchezza del patrimonio biologico terrestre e marino italiano e non solo.
- L’importanza della Biodiversità urbana. Quest’ultima è intesa come contributo alla sostenibilità e resilienza delle città ma anche al miglioramento della qualità delle risorse naturali come aria, acqua e suolo. In quest’ottica s’inserisce anche la relazione tra biodiversità e benessere umano fondamentale per prevenire lo stress nelle varie categorie di cittadini e promuovere stili di vita più sani.

Deadline per la consegna dei saggi: 31 marzo 2025

Uscita prevista: luglio 2025

Le lingue accettate sono l’italiano, l’inglese e il francese.

Gli articoli devono essere inviati a:
elisabetta.distefano@unipa.it
valeria.maggiore@unipa.it
salvatore.tedesco@unipa.it

Itinera, 29 (2025)

Disinterest Reconsidered: Theories and Practices, Present and Past

Edited by Dario Cecchi and Maddalena Mazzocut-Mis

The category of disinterest played a crucial role in defining the fundamental characteristics of modern aesthetics, before and after the transcendental re-foundation of this discipline in the Kritik der Urteilskraft (1790). Nonetheless, despite its function, this category has given rise to different interpretations, criticisms and outright misunderstandings. Disinterest originally refers to the moment of aesthetic judgment, indicating the absence of idiosyncratic inclinations and preferences as a decisive criterion for judging beauty. You judge with taste if you look at the object free from prejudice, without the influence of specific attractions. The combination of taste and disinterest has also contributed to orienting this faculty of discernment from the practical sphere of ethical life to the freer and more indeterminate sphere of aesthetic experience. This passage can already be seen in formulations similar to the textual reference to disinterest: think of the idea of ​​a need for ‘delicacy’ of taste, supported by Hume in Of the Standard of Taste (1760). The instance of a disinterest of taste therefore concerns the quality of aesthetic pleasure and its difference from other types of sensible pleasure. However, it is with the third Critique that the category of disinterest unfolds completely, barring the way both to the ‘materialist’ drifts of a taste based on mere sensations and to the ‘rationalist’ drifts of a taste founded on a concept of the object. Thanks to this preliminary step, Kant can attribute to the faculty of judgment the status of exemplary validity and universality applicable to individual cases, in the absence of predefined canons of beauty.

The combination of taste and disinterest, despite its centrality, has not stopped raising objections. It is particularly during the 20th century that these objections are formulated explicitly. Among the many possible examples, we recall two paradigmatic cases. In Art as Experience (1934), Dewey traces the emergence of formalist aesthetics to the notion of disinterestedness, which associate the beauty of the object with pure form, regardless of the contents presented. In Wahrheit und Methode (1960), Gadamer instead turns to the Kantian analysis of taste, and in particular to the notion of disinterest, the loss of grip on the ethical-political dimension of human life. On the other hand, the category of disinterest has also lent itself to original reinterpretations. Here too, as a mere example, we recall Garroni’s rethinking of this Kantian category in Ricognizione della semiotics (1977) and Creativity(1978/2010). Garroni thinks of disinterest as a way of distancing oneself from the immediate conditions of experience, which allows the development of new operational rules of interaction with the world. The aesthetic sphere, from this point of view, is the field of the free exercise of a dominantly ‘metaoperational’ creativity, in the absence of purposes immanent to the work itself. The revival of Kant’s analysis of aesthetic judgments also plays a fundamental role in the aesthetics of reception and in Jauss’ literary hermeneutics, allowing the rethinking of the Aristotelian notion of katharsis. In Kleine Apologie der ästhetischen Erfahrung (1972), Jauss sees katharsis as a moment of reflection on social norms and models of public action: this distancing in fact preludes the planning of new forms of coexistence.

Coming to the contemporary debate, in light of the cognitive and neuroscientific turning point proposed in the aesthetic field, the need for a re-examination of the role of emotions in the aesthetic experience has come forward (D’Angelo 2020). A total identification of the aesthetic with its emotional substratum risks in fact canceling the freedom of the imagination and the critical distance of judgment, two fundamental aspects of the aesthetic experience. The question is even more urgent if we consider the current diffusion of forms of widespread aestheticization and artistic practices that encourage ways of playful participation in the work of art. In light of these as well as other cases, we invite you to submit contributions that delve into one of the lines of research listed below, presenting paradigmatic aspects and cases of the complex historical story and contemporary configurations of this aesthetic category:

• Classical, pre- and post-Kantian theories on disinterest;
• The criticisms advanced against disinterest, as well as the original takes on this category, in the modern and contemporary age;
• The applications of disinterest to artistic and narrative practices, traditional or innovative (interactive and multimedia art, auto-fiction, etc.) and to the aesthetic field in general, including contemporary forms of widespread aestheticization; or the problematic nature of such applications;
• The theoretical and epistemological importance of disinterest with respect to recent debates on the status and nature of aesthetics, between philosophy, theory of arts and literature, cognitive sciences, neuroscience, anthropology and biology.

Deadline: February 2025

Release: July 2025

Accepted languages: English, Italian, French

Please send articles to:

dario.cecchi@uniroma1.it

maddalena.mazzocut-mis@unimi.it

 

Itinera, 29 (2025)

Ripensare il disinteresse: teorie e pratiche, presenti e passate

La categoria del disinteresse ha svolto un ruolo cruciale nel definire i caratteri fondamentali dell’estetica moderna, prima e dopo la rifondazione trascendentale di questa disciplina nella Kritik der Urteilskraft (1790). Nondimeno, a dispetto della sua funzione, questa categoria ha dato adito a interpretazioni diverse, critiche e veri e proprio malintesi. Il disinteresse si riferisce originariamente al momento del giudizio estetico, indicando nell’assenza di inclinazioni e preferenze idiosincratiche un criterio dirimente per giudicare sulla bellezza. Si giudica con gusto se si guarda all’oggetto scevri da pregiudizi, senza l’influenza di attrattive specifiche. Il connubio tra gusto e disinteresse ha inoltre contribuito a orientare questa facoltà di discernimento dall’ambito pratico della vita etica all’ambito più libero e indeterminato dell’esperienza estetica. Si coglie già tale passaggio in formulazioni analoghe al riferimento testuale al disinteresse: si pensi all’idea di un’esigenza di delicacy del gusto, sostenuta da Hume in Of the Standard of Taste (1760). L’istanza di un disinteresse del gusto riguarda pertanto la qualità del piacere estetico e la sua differenza da altri tipi di piacere sensibile. Ma è con la terza Critica che la categoria del disinteresse si dispiega completamente, sbarrando la strada sia alle derive ‘materialiste’ di un gusto fondato su mere sensazioni sia alle derive ‘razionaliste’ di un gusto fondato su un concetto dell’oggetto. Grazie a questo passaggio preliminare, Kant può attribuire alla facoltà di giudizio lo statuto di una validità esemplare e di un’universalità applicabile ai singoli casi, in assenza di canoni di bellezza predefiniti.

Il connubio tra gusto e disinteresse, nonostante la sua centralità, non ha smesso di sollevare obiezioni. È in particolare nel corso del XX secolo che tali obiezioni vengono formulate in modo esplicito. Tra i molti esempi possibili, ricordiamo due casi paradigmatici. In Art as Experience (1934), Dewey fa risalire alla nozione di disinteresse l’affermarsi delle estetiche formaliste, che associano la bellezza dell’oggetto alla pura forma, indipendentemente dai contenuti presentati. In Wahrheit und Methode (1960), Gadamer invece all’analisi kantiana del gusto, e in particolare alla nozione di disinteresse, la perdita di presa sulla dimensione etico-politica della vita umana. D’altra parte, la categoria del disinteresse si è prestata anche a reinterpretazioni originali. Anche qui a mero titolo di  esempio, ricordiamo il ripensamento di questa categoria in Kant da parte di Garroni in Ricognizione della semiotica (1977) e in Creatività (1978/2010). Garroni pensa il disinteresse come una modalità di distanziamento dalle condizioni immediate dell’esperienza, che consente di elaborare nuove regole operative di interazione con il mondo. La sfera estetica, da questa punto di vista, è il campo del libero esercizio di una creatività a dominante “metaoperativa”, in assenza di scopi immanenti all’operare stesso. La ripresa dell’analisi kantiana dei giudizi estetici gioca un ruolo fondamentale anche nell’estetica della ricezione e nell’ermeneutica letteraria di Jauss, consentendo il ripensamento della nozione aristotelica di katharsis. In Kleine Apologie der ästhetischen Erfahrung (1972), Jauss vede nella katharsis un momento di riflessione sulle norme sociali e sui modelli di azione pubblica: tale distanziamento prelude infatti alla progettazione di nuove forme di convivenza.

Venendo al dibattito contemporaneo, si è fatta avanti, alla luce della svolta cognitiva e neuroscientifica proposta in ambito estetico, l’esigenza di un riesame del ruolo delle emozioni nell’esperienza estetica (D’Angelo 2020). Una totale identificazione dell’estetico con il suo sostrato emotivo rischia infatti di annullare la libertà dell’immaginazione e la distanza critica del giudizio, due aspetti fondamentali dell’esperienza estetica. La questione è tanto più urgente se si considera la diffusione odierna di forme di estetizzazione diffusa e di pratiche artistiche che sollecitano modalità di partecipazione ludica all’opera d’arte.

Alla luce di questi come di altri casi, invitiamo a presentare contributi che approfondiscano una delle di linee di ricerca elencate di seguito, presentando aspetti e casi paradigmatici della complessa vicenda storica e delle configurazioni contemporanee di questa categoria estetica:

• Le teorie classiche, pre- e post-kantiane, sul disinteresse;
• Le critiche avanzate contro il disinteresse, così come le riprese originali di questa categoria, in età moderna e contemporanea;
• Le applicazioni del disinteresse alle pratiche artistiche e narrative, tradizionali o innovative (arte interattiva e multimediale, auto-fiction ecc.) e all’ambito estetico in genere, comprese le forme contemporanee di estetizzazione diffusa; ovvero la problematicità di tali applicazioni;
• Il rilievo teorico ed epistemologico del disinteresse rispetto ai recenti dibattiti sulla statuto e sulla natura dell’estetica, tra filosofia, teoria delle arti e della letteratura, scienze cognitive, neuroscienze, antropologia e biologia.

 

 

Deadline per la consegna dei saggi: febbraio 2025

Uscita prevista: luglio 2025

 

Le lingue accettate sono l’italiano, l’inglese e il francese.

Gli articoli devono essere inviati a:

dario.cecchi@uniroma1.it

maddalena.mazzocut-mis@unimi.it

 

 

 

 

 

CALL FOR PAPERS, ARCHIVE (only most recent ones):

 

Itinera, 28 (2024)

 

Digital Aesthetics

Edited by Giulia Andreini and Renato Boccali (IULM University)

 

In 1936, Walter Benjamin addressed the great change triggered by the technical reproduction of images. At that time, new media such as photography and cinema were transforming not only the forms of art but also the way people perceived the world through new forms of collective innervation. In fact, it was the way humans looked at things that were profoundly changed. Through these new technologies, humans were learning to come closer to objects and play with their images. Like never before, these new media brought “optics” and “touch” to become closely interwoven, deeply affecting the arrangement of the human sensorium.

 

Today, the idea of an essential change in the way we perceive the world has become true in a way that largely exceeds Benjamin’s expectations. Digital technologies have become more than just mere instruments. These have either taken the form of three-dimensional computer-generated responsive environments in which users interact through their bodies (like virtual reality) or have been deeply integrated into the environment and into human’s bodily self, permeating and shaping his everyday experience (as AI and augmented or mixed reality). Providing us with a broad spectrum of experiences ranging from total and solitary immersion (Grau 2003) or absorption (Geniusas 2022), to shared digital experiences of co-presence (Schroeder 2006) and prosthetic enhancements of the body beyond its physical limitations and capabilities (Idhe 1993; Verbeek 2008), digital technologies trigger new senses of presence (Wiesing 2010; Slater and Sanchez-Vives, 2016), and of embodiment (Kilteni et al. 2012) through avatars (Gonzales-Franco and Peck 2018), as well as new forms of participative actor-spectatorship (Ljungar-Chapelon 2009; Bishop 2012).

 

This issue therefore welcomes contributions that address the new challenges that aesthetics, as a philosophical investigation of sensible knowledge (Baumgarten X), must face to properly seize the experiences provided by digital technologies. In fact, the digital reproduction, creation, transformation, and circulation of images, videos, texts, and sounds affect not only the domain of art (with the origin of new forms such as Virtual Art, Digital Photography, and AI Art), but also, more broadly, aesthesis as our habitual relationship with the world.

 

Encouraging an interdisciplinary dialogue, the call addresses the challenges that aesthetics as a discipline must face when dealing with digital media experience, prompting a critical reflection if not event a renewal of its main categories. Furthermore, the issue aims at collecting the works related to the Summer School on Digital Aesthetics, organized by the University of Milan in collaboration with the European Seminar of Aesthetics and with the Milano Painting Academy, which took place in Como from May 29 to June 1^st, 2023.

 

The following is a non-exhaustive list of topics of interest to the issue regarding digital aesthetics:  

 

1. Phenomenologies of the Digital. Digital technologies are setting new modes and new rhythms of fruition, prompting the reconfiguration of the human sensorium (Montani, 2020) and shaping the range of both actual and possible experiences. An applied approach to phenomenology (Lanfredini 2004; Kozel 2008), inquiring about the eidetic structures of the wide range of human experience can offer a rigorous method for the development of an aesthetic understanding of the digital. In return, such an analysis may prompt a reconsideration of both the phenomenological method and some of the theoretical constructs through which it seizes experience. Yet, to date, few studies have gone in the direction of a phenomenology of the digital (Champion 2019; O’Shiel 2022; Geniusas 2022). Which modality of consciousness is actualized in the interaction with digital media? Is the relation with digital images to be considered as a form of image consciousness, or does it also relate fantasia, perception, or illusion (Husserl 2005) and what consequences does it entail for phenomenology? Is it possible to draw an omni-comprehensive taxonomy of digital experiences, highlighting proximities and differences? What are the phenomenological implications of a body incorporating prosthetic devices and interacting with software? And can digital media encourage new modes of being with the other?

 

2. Digital Photography. At its origins, photography has often been considered not so much as art, but rather as a reproductionof reality. Nevertheless, photographers have utilized this technology as an extraordinary means also to express content in an original way as well as to bring into visibility a world hidden to the human eye (Solnit 2003). With digital photography, the transformative power of pictures has become even more evident. Digital photographs can be manipulated at every step: colors, lights and even subjects can be changed and adapted to express the author’s intentions (Lipkin 2005). Can digital images still be considered as “photographs”? What is their relationship to reality? How can digital photographs tell the truth or convey true values (Mitchell 1994)? How does the spread of deepfakes affect the documental value of photography (Kalpokas and Kalpokiene 2022)?

 

3. Digital Aesthetics and Values. Digital images and texts have become an expression of values, shared by many subjects. Such values don’t originate from a propositional process, rather, they are primarily felt (Husserl 1983). For this reason, it is essential to investigate how values can be created, transformed, and communicated through digital content. Can digital content convey a trueor authentic experience of values (Rozzoni and Conceiçao 2021)? Can the transformative power of digital technologies help to keep values alive? Or is it bound to bury them under a great quantity of fakes instead? How does the development of AI and deepfakes affect value transmission?

 

4. Art and Artificial Intelligence. A very challenging type of art that emerged recently is certainly that made through AI. Can artificial intelligence be creative or does the “creativity” category only apply to human beings (Boden 2004; Colton and Wiggins 2012)? Is AI to be considered the author of these works, or is it still the human artist (Miller 2019; Barale 2020)? What does this type of art have to say about the new presence that AI represents in our society?

 

This issue will host only contributions written in English. The papers, written following Itinera’s editorial standards (https://riviste.unimi.it/index.php/itinera/norme), will be between 25.000 and 40.000 characters.

Deadline: July, 31st, 2024

Release: December, 2024

Articles should be sent to the following addresses:

• Giulia Andreini (giuliandreini.94@gmail.com )
• Renato Boccali (renato.boccali@iulm.it)

 

References

Barale, A. (ed.), Arte e intelligenza artificiale. Be My Gan, Jaca Book, Milano 2022.

Bishop, C., Artificial Hells: Participatory Art and the Politics of Spectatorship, Verso, London-New York 2012

Boden, M. A., The Creative Mind: Myths and Mechanisms (1990), Routledge, London-New York 2004.

Champion, E., The Phenomenology of Real and Virtual Places, Routledge, London-New York 2019.

Colton, S., Wiggins, G. A., Computational Creativity: The Final Frontier?, in “Frontiers in Artificial Intelligence and Applications”, 242, 2012, pp. 21-26.

Geniusas, S., What Is Immersion? Towards a Phenomenology of Virtual Reality, in “Journal of Phenomenological Psychology”, 53 (1), 2022, pp. 1-24.

Gonzales-Franco, M., Peck, T. C., Avatar Embodiment. Towards a Standardized Questionnaire, in “Frontiers in Robotics and AI”, 5, 2018.

Grau, O., Virtual Art: From Illusion to Immersion, The MIT Press, Boston 2003. 

Husserl, E., Ideas Pertaining to a Pure Phenomenology and to a Phenomenological Philosophy. First Book: General Introduction to a Pure Phenomenology (1913), translated in English by F. Kersten, Martinus Nijhoff 1983.

Husserl, E, Phantasy, Image Consciousness, and Memory (1898-1925) (1980), translated in English by J. B. Brough, Springer, Dordrecht 2005.

Idhe, D., Philosophy of Technology. An Introduction, Paragon House Publishers, St. Paul (Minnesota) 1993.

Kalpokas, I., Kalpokiene, J., Deepfakes. A Realistic Assessment of Potentials, Risks, and Policy Regulation, Springer, Dordrecht 2022.

Kilteni, K., Groten, R., Slater, M., The Sense of Embodiment in Virtual Reality, in “Presence”, 21 (4), 2012, pp. 373-387.

Kozel, S., Closer: Performance, Technologies, Phenomenology, The MIT Press, Boston 2008.

Lanfredini, R. (ed.), Fenomenologia applicata. Esempi di analisi descrittiva,  Guerini e Associati, Milano 2004.

Lipkin, J., Photography Reborn: Image Making in the Digital Era, Harry N. Abrams, New York 2005.

Ljungar-Chapelon, M., Actor-Spectator in a Virtual Reality Arts Play, Doctoral Thesis, University of Gothenburg 2009.

Miller, A. I., The Artist in The Machine: The World of AI-Powered Creativity, The MIT Press, Boston 2019.

Mitchell, W. T. J., Picture Theory. Essays on Verbal and Visual Representation, The University of Chicago Press, Chicago 1994.

Montani, P., Emozioni dell’intelligenza. Un percorso nel sensorio digitale, Meltemi Editore, Roma 2020.

O’Shiel, D., The Phenomenology of Virtual Technology. Perception and Imagination in a Digital Age, Bloomsbury Publishing, London 2022.

Rozzoni, C., Conceiçao, N. (eds.), Aesthetics and Values: Contemporary Perspectives, Mimesis International, Milano 2021.

Schroeder, R., Being There Together and the Future of Connected Presence, in “Presence: Teleoperators and Virtual Environments”, 15 (4), 2006, pp. 438-454.

Slater, M., Sanchez-Vives, M. V., Enhancing our Lives with Immersive Virtual Reality, in “Frontiers in Robotics and AI”, 3 (74), 2016.

Solnit, R., Rivers of Shadows: Eadweard Muybridge and the Technological Wild West, Penguins Books, New York 2003.

Verbeek, P. -P., Cyborg Intentionality: Rethinking the Phenomenology of Human-Technology Relations, in “Phenomenology and the Cognitive Sciences”, 7 (3), 2008, pp. 387-395.

Wiesing, L., Artificial Presence. Philosophical Studies in Image Theory, Standford University Press, Stanford 2010.

 

 

Itinera, 27 (2024)

Envisioning Future Landscapes

 

edited by Ivana Randazzo and Federico Vercellone

 

The environmental and social crisis that marks our times arouses a need for new scenarios and urges to reflect on what could be the landscapes of the future. At the 18th Venice Architecture Biennale have been exhibited many imagined landscapes of this kind: from a moonscape where raw materials are mined, to buildings by which condensation from the air-conditioning systems is collected to water plants, so that nothing is wasted (Sweating Assets, Bahrain Pavilion).

This complexity stirs the imagination to update its relationship with science and technology. The concern for the future prompts engineers, biologists, architects, artists and thinkers to design new landscapes for different, more sustainable lifestyles, that everyone can adopt. Just as wide will be the spread of urban and productive landscapes due to automation and robotics, and functional to the “infosphere”. But all of this needs to be supported by a philosophical commitment which deals with topics like the increasingly widespread role of public art and envisions new urban structures and spaces.

From the planning of new cities such as The Line (Saudi Arabia) in which all community life is organized along a “strip” (according to the “Las Vegas model”) to scenarios in which human spaces are re-naturalized, many contemporary tendencies show the will to search for new ways to connect the human settlements and the world, foreshadowing alternative configurations of the landscape as an artificial, engineered element.

Since a landscape cristallizes the basic features of a culture, its modes of production, its aesthetic and psychological identities, has become urgent to face questions such as how landscapes will meet human desires and needs in the near future. While already artificial spaces, left behind by the mankind, come back to nature, remains to understand in which way technological development can coexist with the respect for the environment and which bio-technological forms of existence will become our way of life.

The issue will therefore contain papers discussing the landscape as an architectural, urban and aesthetic problem, with a special interest for the relationship between these contexts and the new technologies. Below some possible topics:

 

 

• Public Art
• Ecological Crisis
• Biogenetics
• New Urbanism
• Information Technologies
• Technological Imagery

 

 

Deadline for submission: April, 2024

Expected release: July, 2024

 The accepted languages are Italian, English, French and Spanish.

Submissions should be sent to:

Ivana Randazzo: ivana.randazzo@unict.it

 

References: 

 

Clement G., Manifesto del terzo paesaggio, Quodlibet, 2016.

Floridi L., La quarta rivoluzione. Come l’infosfera sta trasformando il mondo, Raffaello Cortina Editore, 2017.

Lingiardi V., Mindscapes, Cortina, 2017.

Venturi Ferriolo M., Paesaggi in movimento. Per un'estetica della trasformazione, DeriveApprodi, 2016.

Wilk E., Death by Landscape, Soft Skull Press, 2022.

 

Itinera, 27 (2024)

Paesaggi del futuro e nuovi immaginari

a cura di Ivana Randazzo e Federico Vercellone

La crisi ambientale e sociale che contraddistingue il nostro secolo comporta una riflessione e un desiderio di nuovi scenari e paesaggi del futuro. Alla 18° Biennale di Architettura di Venezia erano molti i paesaggi del futuro immaginati. L’estensione dei paesaggi in cui il futuro promette di farci vivere è ampia e va da un paesaggio lunare al quale ci si rivolge per la ricerca di materie prime a quello in cui dai grossi impianti di condizionatori degli edifici si utilizza l’acqua condensata per la coltivazione delle piante così da non sprecare nulla (Sweating Assets, Padiglione del Bahrein). Questa complessità suscita l’attivarsi di un’immaginazione che rinnova il rapporto con la scienza e con la tecnica. È chiaro che dagli ingegneri ai biologi agli architetti sino al mondo dell’arte è forte la preoccupazione per un paesaggio del futuro capace di generare forme di vita in cui sia dato riconoscersi, anche in questo senso maggiormente sostenibile. Altrettanto vasta è e sarà la gamma di paesaggi urbani e produttivi scaturiti dall’automazione e dalla robotica, dall’“infosfera”. Ma tutto ciò non può che essere accompagnato da una riflessione filosofica che dovrà includere tra i suoi argomenti anche la presenza sempre più diffusa di arte pubblica ed immaginare nuovi volti e nuovi spazi urbani

A partire dal progetto di nuove città come The Line in cui tutta la vita viene organizzata lungo una “strip” (riprendendo il modello di Las Vegas) a scenari in cui si ri-naturalizzano gli spazi pubblici sono molti i segnali di una ansia di ricerca verso modi nuovi per definire il rapporto tra l’insediamento umano e il mondo, prefigurando configurazioni alternative di quell’elemento artificiale, progettato, che è il paesaggio.

Poiché nel paesaggio si materializzano le scelte fondamentali di una civiltà, il suo modo di produrre, la sua immaginazione estetica e la sua dimensione psichica è diventato urgente l’interrogativo su quali potranno essere i paesaggi coerenti con i desideri e le esigenze dell’umanità nel prossimo avvenire. Mentre spazi già artificiali, abbandonati dall’uomo, tornano alla natura, rimane da chiedersi in che modo possano convivere sviluppo tecnologico e rispetto ambientale e quali forme di vita bio-tecnologiche diverranno il nostro way of life.

 

Il fascicolo accoglierà dunque contributi che analizzino il tema del paesaggio in ambito architettonico, urbanistico ed estetico con una particolare attenzione per il rapporto tra paesaggio e nuove tecnologie. Di seguito qualche possibile tema:

 

• Arte pubblica
• Crisi ecologica
• Bio-genetica
• Neo-città
• Tecnologie dell’informazione
• Immaginazione tecnologica

 

Deadline for submission: aprile 2024

Expected realease: luglio 2024

 

Le lingue accettate sono l’italiano, l’inglese, il francese e lo spagnolo.

Gli articoli devono essere inviati a:

Ivana Randazzo: ivana.randazzo@unict.it

 

Bibliografia

 

Clement G., Manifesto del terzo paesaggio Quodlibet, 2016.

Floridi L., La quarta rivoluzione. Come l’infosfera sta trasformando il mondo, Raffaello Cortina Editore, 2017.

Lingiardi V., Mindscapes, Cortina, 2017.

Venturi Ferriolo M., Paesaggi in movimento. Per un'estetica della trasformazione, DeriveApprodi, 2016.

Wilk E., Death by Landscape, Soft Skull Press, 2022.

 

 

Itinera, 27 (2024)

Memory and Poiesis between Aesthetics and Rhetoric

Edited by Amalia Salvestrini and Fosca Mariani Zini

Among the various fields that have historically contributed to the constitution of Aesthetics as an autonomous discipline in the 18th century is rhetoric, from which Aesthetics has taken terms, concepts and problems that it later develops and transforms (Saint Girons; Franzini; etc.). One of the themes with which the relationship between Aesthetics and Rhetoric can be investigated is memory, understood in its poietic dimension that concerns various fields of human productive and artistic activity.

The issue will be divided into two sections: the first will specifically explore the theme of memory, the second will open the debate around the possibility of the relationship between Aesthetics and Rhetoric.

 

Section I

Memory, the fourth part of rhetoric after inventio, dispositio, elocutio and before actio, has not only a receptive dimension, so to speak, in which experiential data are deposited, and in particular, as far as rhetoric is concerned, the elements of the discourse to be delivered are deposited in an organised manner. Memory also has a poietic, creative dimension, which is in some ways connected to inventio and which reworks acquired data. Thanks to its structure, whether natural or artificial, memory not only provides the places within which to organise discourse, but also the inventive basis for the creative elaboration of data. In the interaction between inventio and memoria, i.e. between the ability to find the appropriate arguments and the reasoning schemes that structure the rhetorical memory, the poietic and creative activity is generated, and enables the production of something new, a work, such as speech in the case of the rhetorician. The dislocation of rhetorical concepts in different disciplines, visible for example in the use of the rhetoric conveniens or decor in other disciplines such as theology or architecture, makes one reflect on the possibility that rhetorical memory, and specifically the poietic meaning of memory, also goes to structure cognitive and productive processes in other spheres.

In classical rhetoric, and Ciceronian rhetoric in particular (see F. Yates, The Art of Memory), the poietic value of memory emerges in the possibility of arranging in “artificially” reorganised mental spaces the material of discourse and thereby constructing it. Poiesis thus occurs as much in the construction of a memory building, as attested to by the numerous architectural metaphors that delimit the spaces ready to accommodate the discursive material. For example, it happens in the composition of the discourse itself, when its elements are first found (inventio) among the available loci, to be later fixed in the memory building, once congruously arranged according to the rules of the aptum and ornatus.

Mary Carruthers’ studies have amply shown how in the early Middle Ages memory techniques were used for meditation on the sacred page, contributing to the construction of veritable edifices of thought in which material was not only neatly conserved, but also available and rearranged in a variety of ways. There is the fabrication of mental images or cognitive frameworks for thinking and composing, but also monastic art develops in the sense of an "aesthetic of memory" rather than representation and mimesis. In addition, memory acquires the role of a "cogitation matrix" in order to retrieve and reconfigure memories according to a "random access mnemonic scheme", following a "memorial architecture".

In the light of these premises, the central question arises around which this call intends to gather contributions in order to outline possible answers: to what extent have the modes of poiesis been given according to a rhetorical space, inventive rather than receptive, of memory?

We welcome contributions on any historical period, from antiquity to the contemporary, and in any philosophical and artistic sphere (painting, music, architecture, etc.) that intend to pay attention to poietic forms that have enacted rhetorical structures and strategies of memory. This kind of enactment can be found both at the level of the project, i.e. of conception, and at the level of the work and its aesthetic fruition, where for example an element of the (art)work is assumed as a place of memory with a precise “persuasive” purpose.

 

The main question concerning the rhetorical scope of human poiesis can thus be articulated in the following areas:

• Memory in the process of poietic conception
• The work as sedimentation of memory and inventive openness
• The sites of memory and the rhetorical effects on the passions
• Memory and rhetoric in the arts (painting, architecture, music, etc.)

 

Section II

The issue also includes a more general section aimed at stimulating theoretical and historiographical debate around the possibility of the relationship between aesthetics and rhetoric. The dialectic between reason and sensibility, demonstration and argumentation is one of the theoretical points on which the debate has been conducted at least in the last century (e.g. Perelman and Preti), even though it has its roots in history. Reflections on the relationship between aesthetics and rhetoric have also resulted around specific aesthetic concepts of rhetorical origin, such as the sublime and metaphor, but have also involved issues both relating to knowledge in the context of postmodern perspectives on the undermining of truth (Gruppo µ), and relating to the rhetorical (social and artistic) strategies of the postmodern (Baudrillard).

 

The issue welcomes contributions that want to deepen the following themes, or others inspired by the perspective outlined here.

• Demonstration/argumentation
• Reason/feeling
• Text and image
• Sublime between aesthetics and rhetoric
• Metaphor and knowledge
• Rhetoric and postmodernism
• Arts (painting, music, theatre, cinema, etc.) and rhetoric

 

Both articles and short notes on this topic will be accepted for this section.

 

Article deadline: 30 November 2023

Expected release: July 2024

 

Articles can be written in Italian, French and English

 

Articles should be sent to the following addresses:

- Amalia Salvestrini (amalia.salvestrini@gmail.com)

- Fosca Mariani Zini (fosca.mariani@univ-tours.fr)

 

The texts, prepared according to editorial standards (https://riviste.unimi.it/index.php/itinera/norme), will be between 25,000 and 40,000 characters.

 

Itinera, 27 (2024)

Memoria e poiesi tra estetica e retorica

a cura di Amalia Salvestrini e Fosca Mariani Zini

Tra i diversi ambiti che nella storia hanno contribuito a costituire l’estetica come disciplina autonoma nel XVIII secolo, vi è la retorica, da cui l’estetica ha ripreso termini, concetti e problemi che successivamente sviluppa e trasforma (Saint Girons; Franzini; ecc.). Uno dei temi con cui si può indagare la relazione tra estetica e retorica è la memoria, intesa nella sua dimensione poietica che riguarda vari campi delle attività produttive e artistiche umane.

Il fascicolo sarà articolato in due sezioni: nella prima si indagherà specificamente il tema della memoria, nella seconda si apre il dibattito intorno alla possibilità dei rapporti tra estetica e retorica.

 

Sezione I

La memoria, quarta parte della retorica dopo inventio, dispositio, elocutio e prima dell’actio, ha non ha solo una dimensione per così dire ricettiva, in cui si sedimentano i dati esperienziali, e in particolare, per quanto riguarda la retorica, si depositano in modo organizzato gli elementi del discorso da pronunciare. La memoria ha anche una dimensione poietica, creativa, per certi versi collegata alla inventio e che rielabora i dati acquisiti. Grazie alla sua struttura, sia essa naturale o artificiale, la memoria fornisce i luoghi entro cui organizzare il discorso, ma anche la base inventiva per la rielaborazione creativa dei dati. Nell’interazione tra inventio e memoria, cioè tra la capacità di trovare gli argomenti appropriati e gli schemi di ragionamento che strutturano la memoria retorica, si genera l’attività poietica e creativa che permette di produrre qualche cosa di nuovo, un’opera, come il discorso nel caso del retore. Il dislocamento dei concetti retorici in differenziate discipline, visibile ad esempio nell’utilizzo del conveniens o del decor retorici in altre discipline come in teologia o in architettura, fa riflettere sulla possibilità che anche la memoria retorica, e specificamente quella intesa nella sua valenza poietica, vada a strutturare processi conoscitivi e produttivi di altri ambiti.

Nella retorica classica, ciceroniana in particolare (si veda F. Yates, L'arte della memoria), la valenza poietica della memoria emerge nella possibilità di disporre negli spazi mentali riorganizzati “artificialmente” il materiale del discorso e con ciò costruirlo. La poiesi si ha quindi tanto nella costruzione di un edificio della memoria, come attestano le numerose metafore architettoniche che delimitano gli spazi pronti ad accogliere il materiale discorsivo, quanto nella composizione stessa del discorso, quando cioè i suoi elementi vengono dapprima trovati (inventio) tra i loci disponibili, per poi essere fissati nell’edificio della memoria, una volta disposti congruamente secondo le regole dell’aptum e dell’ornatus.

Gli studi di Mary Carruthers hanno mostrato ampiamente come nell’alto medioevo le tecniche della memoria fossero utilizzate per la meditazione sulla Sacra pagina, contribuendo a costruire veri e propri edifici di pensiero in cui il materiale non solo fosse ordinatamente conservato, ma anche disponibile e ridisposto secondo variegati modi. Vi è la fabbricazione di immagini mentali o quadri cognitivi per pensare e comporre, ma anche l’arte monastica si sviluppa nel senso di una “estetica della memoria” più che della rappresentazione e della mimesi. Inoltre, la memoria acquisisce il ruolo di “matrice di cogitazione” al fine di riprendere e riconfigurare i ricordi secondo uno “schema mnemonico ad accesso random”, secondo una “architettura memoriale”.

Alla luce di queste premesse si pone la domanda centrale intorno alla quale questa call intende raccogliere contributi per delineare risposte possibili: quanto i modi della poiesi si sono dati secondo uno spazio retorico, inventivo più che ricettivo, della memoria?

Si accolgono contributi su qualsiasi periodo storico, dall’antichità al contemporaneo, e ambito filosofico e artistico (pittura, musica, architettura, ecc.) che intendano porre attenzione a forme poietiche che abbiano messo in opera strutture e strategie retoriche della memoria, tanto a livello progettuale, cioè di ideazione, quanto a livello dell’opera e della fruizione estetica, là dove ad esempio un elemento dell’opera è assunto come luogo della memoria con un preciso scopo “persuasivo”.

 

La questione principale relativa alla portata retorica della poiesi umana potrà quindi essere articolata negli ambiti seguenti:

• La memoria nel processo di ideazione poietica
• L’opera come sedimentazione di memoria e apertura inventiva
• I luoghi della memoria e gli effetti retorici sulle passioni
• Memoria e retorica nelle arti (pittura, architettura, musica, ecc.)

 

 

Sezione II

Il fascicolo prevede anche una sezione più generale volta a suscitare il dibattito teoretico e storiografico intorno alla possibilità dei rapporti tra estetica e retorica. La dialettica tra ragione e sensibilità, dimostrazione e argomentazione rappresenta uno dei punti teorici su cui svolge il dibattito almeno nell’ultimo secolo (ad esempio Perelman e Preti), seppure affondi le sue radici nella storia. La riflessione sui rapporti tra estetica e retorica hanno altresì un esito intorno a specifici concetti estetici di origine retorica, come il sublime e la metafora, ma ha coinvolto anche temi sia relativi alla conoscenza nel contesto delle prospettive postmoderne di indebolimento della verità (Gruppo µ), sia relativi alle strategie retoriche (sociali e artistiche) del postmoderno (Baudrillard).

Il fascicolo accoglie contributi che vogliano approfondire le tematiche seguenti, o altre ispirate alla prospettiva qui delineata.

• Dimostrazione/argomentazione
• Ragione/sentimento
• Testo e immagine
• Sublime tra estetica e retorica
• Metafora e conoscenza
• Retorica e postmoderno
• Arti (pittura, musica, teatro, cinema, ecc.) e retorica

 

Per questa sezione si accoglieranno sia articoli che brevi note sull’argomento

 

Deadline articoli: 30 novembre 2023

Expected release: luglio 2024

 

Gli articoli possono essere scritti in italiano, francese e inglese

 

Gli articoli devono essere inviati ai seguenti indirizzi:

• Amalia Salvestrini (amalia.salvestrini@gmail.com)
• Fosca Mariani Zini (fosca.mariani@univ-tours.fr)

 

I testi, redatti secondo le norme editoriali (https://riviste.unimi.it/index.php/itinera/norme), saranno compresi tra le 25 mila e le 40 mila battute.

 

 

Itinera, 26 (2023)

Habit and literature

Edited by Alessandra Aloisi (University of Oxford), Marco Piazza (Università Roma Tre), Sofia Sandreschi de Robertis (Università Roma Tre)

 

The reflection on the concept of habit traverses the entire history of Western philosophy, first as Aristotelian hexis or Christian habitus, and then again as habit in English empiricism or habitude in the 19th-century French tradition. In the 20th century, In the 20th century, many authors proved to be interested in habit, both in France (Bergson, Deleuze, Merleau-Ponty, and Ricoeur) and in the Anglo-Saxon world (Dewey, James, and Peirce). Recently, this concept has received new interest, especially in terms of the historical reconstruction of its formulations and, among the numerous studies, many have recognised in habit a true crossroads between literature and philosophy.

Besides being a philosophical concept, the term “habit” is also part of the everyday vocabulary. As a backdrop to everyday existence, habits condition human behaviour in all its different manifestations, so much so that personal identity itself derives from a complex web of habits. Reference to literature, whether in the form of prose, poetry or drama, is then obvious: just think, for example, of Proust, Svevo, Beckett, or Stendhal. It is no coincidence that Ricoeur, in his theory of narrative identity, describes habit as that set of distinctive signs that always allow an individual to be identified as “the same”, despite all possible changes they go through.

In this sense, the theme of habit brings attention to several interrelated questions, such as the body-mind relationship, the problem of time and the (re)construction of identity, on the meaning of what is perceived familiar or unfamiliar, on the role of memory, and the articulation between the conscious and the unconscious.

 

This issue therefore welcomes contributions that explore the philosophical meaning of the concept of habit as it is represented in literary texts, highlighting points of contact with existing philosophical theories. Here are some possible areas of research:

 

• The role of habit in the creative process
• Habit and the shaping of character
• Spiritual habits and/or the habits of the body
• Habit, time, and identity
• Habit between attention and distraction
• The habits of the subject or the subject of habits
• Habit as pharmakon

 

Deadline for submission: 15 July 2023

Expected release: December 2023

 

Papers can be written in English, Italian and French.

Submissions must be sent to:

Sofia Sandreschi de Robertis: sofia.sandreschi@uniroma3.it

  

Itinera, 26 (2023)

Abitudine e letteratura

A cura di Alessandra Aloisi (University of Oxford), Marco Piazza (Università Roma Tre), Sofia Sandreschi de Robertis (Università Roma Tre)

 

La riflessione sul concetto di abitudine attraversa tutta la storia della filosofia occidentale, dapprima come hexisaristotelica o habitus cristiano, e poi ancora come habit nell’empirismo inglese o habitude nella tradizione ottocentesca francese. Nel Novecento sono numerosi gli autori che se ne interessano, sia in area francese (Bergson, Deleuze, Merleau-Ponty e Ricoeur), sia in area anglosassone (Dewey, James, Peirce). Di recente è fiorito un rinnovato interesse nei confronti di questo concetto, soprattutto nei termini di una ricostruzione storica delle sue formulazioni, ma non mancano gli studi che riconoscono nell’abitudine un vero e proprio luogo d’incontro fra letteratura e filosofia.

Oltre a essere un concetto filosofico, il termine, al tempo stesso, fa parte del lessico corrente di tutti noi. Facendo da sfondo all’esistenza quotidiana, l’abitudine condiziona il comportamento dell’uomo in ogni sua manifestazione, al punto tale che la stessa identità personale si manifesta in un complesso intreccio di abitudini. Il riferimento alla letteratura, sotto forma di prosa, di poesia o di drammaturgia, è allora inevitabile: basti a pensare, solo a titolo di esempio, ai capolavori di Proust, Svevo, Beckett o Stendhal. Non è un caso che Ricoeur, nella sua teoria dell’identità narrativa, descriva l’abitudine come quell’insieme di segni distintivi che permettono sempre di identificare un certo individuo come “lo stesso”, nonostante tutti i possibili mutamenti.

In questo senso il tema dell’abitudine focalizza l’attenzione sul rapporto fra il corpo e lo spirito, sul problema del tempo e della (ri)costruzione dell’identità, sul senso di ciò che appare ora familiare ora estraneo, sul ruolo della memoria e infine sull’articolazione del conscio e dell’inconscio.

Il fascicolo accoglie dunque contributi che approfondiscano il senso filosofico del concetto di abitudine così come si manifesta nella produzione letteraria, mettendone altresì in luce i punti di contatto con le diverse teorie filosofiche esistenti su questo tema. Di seguito qualche possibile spunto di riflessione:

 

• Il ruolo dell’abitudine nel processo creativo
• Abitudine e costruzione del personaggio
• Abitudini spirituali e/o abitudini del corpo
• Abitudine, tempo e identità
• Abitudine fra attenzione e distrazione
• Le abitudini del soggetto o il soggetto delle abitudini
• Abitudine come phármakon

 

Deadline for submission: 15 luglio 2023

Expected realease: dicembre 2023

 

Le lingue accettate sono l’italiano, l’inglese e il francese.

Gli articoli devono essere inviati a:

Sofia Sandreschi de Robertis: sofia.sandreschi@uniroma3.it

 

 

 

 

 

Itinera, 26 (2023)

Mimesis as conditio humana

Edited by Salvatore Tedesco e Valeria Maggiore

The concept of Mimesis originates in the Greek context in the 5th century BC. and since then, it has been at the heart of Western aesthetic reflection. Indeed, the classical paradigm of mimesis has its roots in the platonic dialogues Republic and Sophist and finds its best-known formulation in the Aristotelian affirmation according to which “art imitates nature” (Physics II, 2, 194a 21- 27). Starting with this definition, aestheticians have traditionally questioned themselves about the “passive” role of mimetic practices (why does art feel the need to imitate reality? What kind of strategies have been used to operate this imitation?); however, as Christoph Wulf pointed out, «mimesis cannot be understood in a restrictive way concerning art, poetry, aesthetics. The mimetic faculty plays a role in almost all areas of human acting, representing, speaking, and thinking» (C. Wulf, Mimesis, l’arte e i suoi modelli, Mimesis, Milano, 1995, p. 9): it is conditio humana. Therefore, it must not be comprehended in a narrow sense as the mere reproduction of copies, but its field of investigation must also take into account an “active” meaning of the term since it also indicates a process that leads us to aesthetically come into contact with external reality and to creatively reproduce its traits even in our own body. This meaning is already present in the famous Aristotelian statement mentioned above: it is inserted in a work in which the philosopher of Stagira deals with the subjects and causes of natural becoming (i.e. of those processes whose principle is in the object itself, an object that evolves) and, from an accurate contextual reading of these words, we can understand that art does not limit itself to "taking nature as a reference model for its production" but "operates like nature itself" because it is identical to it in the way of proceeding. It is in this complexity, which connects the notion of mimesis not only to the terms of imitation and verisimilitude but also to those of individual plasticity and autopoiesis, that the topicality of the question lies.

The issue of “Itinera” is therefore dedicated to the analysis of these issues, starting from the traditional definition of mimesis up to its most recent interpretations. Here are some possible areas for discussion:

• The Greek definition of mimesisand its implications in philosophical debate;
• The history of the concept of mimesisand its possible contemporary interpretations;
• The relationship between art and nature in the light of the concept of mimesis;
• Mimesisas production of appearances: poetry, plastic arts and digital images;
• Mimesisand plasticity;
• Mimetic activity as an anthropological and social practice.

 

Deadline for submission: July 15^th, 2023

Expected Release: Decembre 2023

Papers can be written in English, Italian and French.

Submissions must be sent to: valeria.maggiore@unipa.it

Salvatore Tedesco (salavtore.tedesco@unipa.it)

Valeria Maggiore (valeria.maggiore@unipa.it)

 

 

Itinera, 26 (2023)

Mimesis come conditio humana

A cura di Salvatore Tedesco e Valeria Maggiore

Il concetto di Mimesis prende forma in ambito greco nel V secolo a.C. e da allora si colloca al cuore della riflessione estetica occidentale. Il paradigma classico della mimesis affonda, infatti, le sue radici nella Repubblica e nel Sofista di Platone e trova la sua formulazione forse più nota nella celebre affermazione aristotelica secondo la quale «l’arte imita la natura» (Fisica II, 2, 194a 21-27). Facendo appello a tale definizione gli studiosi di estetica si sono tradizionalmente interrogati sul ruolo “passivo” delle pratiche mimetiche (perché l’arte sente il bisogno di imitare il reale? Quali sono le strategie messe in campo per operare tale imitazione?); tuttavia, come sottolineato da Christoph Wulf, «la mimesis non può essere ristretta all’arte, alla poesia, all’estetica. La facoltà mimetica gioca un ruolo in pressoché tutti gli ambiti dell’agire, del rappresentare, del parlare e pensare degli uomini» (C. Wulf, Mimesis, l’arte e i suoi modelli, Mimesis, Milano, 1995, p. 9): essa è conditio humana. Non deve quindi essere intesa in senso ristretto come la mera riproduzione di copie, ma il suo campo d’indagine deve tener conto anche di un’accezione “attiva” del termine, poiché essa indica anche il processo che ci porta a entrare esteticamente in contatto con la realtà esteriore e a riprodurne creativamente i tratti nel nostro stesso corpo. Tale accezione è, infatti, anch’essa già presente nella celebre affermazione aristotelica, inserita in un’opera in cui il filosofo di Stagira tratta i soggetti e le cause del divenire naturale, cioè di quei processi il cui principio è nell’oggetto stesso che diviene: da un’accurata lettura contestuale si comprende che l’arte non si limita a prendere la natura a modello di riferimento per il suo produrre ma opera come la natura stessa, perché è a essa identica quanto al modo di procedere. È in questa complessità, che connette la nozione di mimesis non solo ai termini d’imitazione e verosimiglianza, ma anche a quelli di plasticità individuale e autopoiesi, che risiede l’attualità della questione.

Il numero di “Itinera” è quindi dedicato all’analisi di tali questioni, prendendo le mosse dalla tradizionale definizione di mimesis fino alle sue più recenti interpretazioni. Di seguito si riportano alcuni possibili ambiti di discussione:

• La definizione greca di mimesis e le sue implicazioni nel dibattito filosofico;
• La storia del concetto di mimesis e le sue possibili interpretazioni contemporanee;
• La relazione tra arte e natura alla luce del concetto di mimesis;
• La mimesis come produzione di apparenze: poesia, arti plastiche e immagini digitali;
• Mimesis e plasticità;
• L’attività mimetica come pratica antropologica e sociale.

 

Deadline for submission: 15 luglio, 2023

Expected Release: Dicembre 2023

Gli articoli possono essere scritti in inglese, italiano e francese.

Le proposte devono essere inviate a: 

Salvatore Tedesco (salavtore.tedesco@unipa.it)

Valeria Maggiore (valeria.maggiore@unipa.it)

 

 

Itinera, 25(2023)

The Performing Arts and Architecture

Edited by Paolo Furia, Serena Massimo, Rita Messori and Federico Vercellone

 

The increasing centrality conferred to the performative character of artistic practices, namely, their ability to involve spectators directly and pervasively (Dixon 2007), imbues the relationship between architecture, the performing arts, and the spectator’s experience with a relevance that is worthy of further investigation. Noteworthy, for example, is the role played by digital technologies – “liquid architectures” (Novak 1991) – which contribute to the creation of interactive performing spaces that intensify the participatory and immersive nature of performances. The sharing of the scenic space by spectators and performers is, in fact, essential for the co-production of a common energy which acts as a “transforming force” and thereby opens up the shared experience of discovering oneself and the other as a union of the body and the mind (Fischer-Lichte 2004).

The critique of the traditional conception of scenic space – which began in the second half of the twentieth century –and the establishment of a new relationship with the natural and urban environment are decisive for overcoming the distinction between performers and spectators. The identification of the scenic space as a “metonymic” space, i.e. a continuum of the real (Lehmann 1999), and the choice of urban spaces – streets, factories, dumps, prisons …– as places for artistic performances, make architecture a key element of the spectator’s experience. This identification supports the broader goal of replacing the idea of space as a mere background of social action with that of an implicit and circumstantial dimension of action (Casey 1997). As “guests of the same space” (Ibid.), spectators and performers are actors in the reactivation of artistic spaces, a reactivation that in turn results from the influence exerted on them by architectural spaces, which, by leaving their impression on performers and spectators in the form of “corpography” (Martínez Sánchez 2021), solicit the latter explore new ways of movement, expression, and interaction. Of course, particularly in the case of abandoned spaces, the performing arts also overcome the paralysis of social action that marks ruin (Simmel 1911) and that is somewhat perpetuated by “ruin porn aesthetics” (Siobhan 2018). Thus, the performance prefigures possible reinterpretations of space in the direction of a possible habitation, which remains the embodied destination of building (Heidegger 1951, Ricoeur 2016).

Performers’ and spectators’ bodily, affective, and dynamic experiences of architectonic spaces thus reactivate the affective and performative nature of architecture. By hosting bodily actions that, in a performative way, give continuity to the bodily process involved in the construction of these same architectonic spaces, architecture itself appears as a performing art (Gomez 2003). This call therefore aims to address the connections between architecture and the performing arts in its various aspects and from multiple points of view. Some of the topics that may be discussed are:

• The relationship between performance and representation. Performance is usually considered to be an aesthetic practice involving both artists and spectators in the here and now. While representational approaches in aesthetics emphasize the role of sight over the other senses and lead to the hypostatization of an observational subject detached from its surroundings (Berleant 1991), a stronger focus on practices leads to the exaltation of the multisensorial, embodied, and immersive character of aesthetic experience. Both landscapes and urban environments are considered differently in representational and non-representational approaches. Moreover, in the last twenty years one can note a growing interest in non-representational approaches in both human geography (Thrift 2007) and architecture (Kozlowski 2020). It has been maintained that representation and practices should not be contraposed, as representations of space play a key role in planning and building and help to shape the meanings of practices themselves (Lorimer 2005). Papers should address issues regarding how the performative turn has transformed both the theory and the practice of architecture, and how representational and non-representational elements are intermingled in contemporary architectural practices.

 

• The performing arts and public art. An emblematic example of the synergy between the performativity of architecture and the performativity of the performing arts is the impact of performances based on the direct involvement of the local area and its inhabitants. By offering a participatory collective experience, such performances connect the private to the public sphere – a form of “communing” (Chatterton 2010) – in order to transform the public space into a “common” space (Gurney 2015) whose activation and reconnection is carried out by the users themselves (Mitrache 2012). This explains the involvement of the performing arts in urban regeneration projects thanks to their ability, on the one hand, to convey and thereby enhance the performative action of architectural contexts and, on the other hand, to inspire architectural design itself (Sieni 2021). By acting itself as a “performer” (Rufford 2019), architecture offers – also in an experimental way (Jackson 2011) – spaces that simultaneously welcome a “community” of performative actions and artistic practices, thus strengthening the link between the latter and everyday life and enhancing their social function. Examples of this include the Pistoletto Foundation (Biella) and Centquatre#104 (Paris). Papers should explore how the performativity of architecture and of the performing arts interact, and how their mutual influence contributes to the social function of art.

 

• The performing arts and the ecological question. Far from being a place where norms about how to build, live, and “act” space are merely prescribed, architecture is a performative practice that explores new artistic and behavioural practices within and beyond its boundaries (Rufford 2019). Site-specific architectural works and site-specific performances leverage this aspect, exhibiting the continuity and mutual influence between environment, architecture, and corporeality, which leads to the realisation of a “performative ecology” of the subject (Giannetti, Stewart 2005). Thus, a peculiar declination of the relationship between art and nature and between aesthetics and ethics – which are investigated by environmental aesthetics and in particular by ecological aesthetics (Toadvine 2010) – emerges. It follows an enhancement of the dialogue between the performing arts and the principles of ecological design (Fried, May 1992) and of “deep ecology” (Næss 1973, Perruchon 2021), in the direction of a "sustainable turn” in the performing arts and the overcoming of the dualism between subject and object, nature and culture. Crucial, in this regard, is the introduction of the notion of performativity within the debate on “material agency” (Latour 1993, 1999, 2993, Cole & Bennett 2010, Brown 1998, Gell 1998), which allows it to interpret the relationship between human and non-human entities as a relationship of mutual constitution (Dalmasso 2020). We will accept papers that address the issue of performativity in the interaction between corporeality, architecture, and environment, focusing on how the performing arts lead us to rethink the relationship between art and nature, aesthetics and ethics, through their questioning of the dualistic conception of the relationship between subject and object.

 

Deadline for submission: 15 April 2023

Expected Release: July 2023

Number of characters: between 25, 000 and 40, 000.

Submissions must be sent to:

Paolo Furia (paolo.furia@unito.it)

Serena Massimo (massimoserenak@gmail.com)

 

 

 

Itinera, 25(2023)

Arti performative e architettura

A cura di Paolo Furia, Serena Massimo, Rita Messori e Federico Vercellone

 

L’indagine del rapporto tra architettura, arti performative e fruizione delle performances artistiche è particolarmente rilevante alla luce della crescente centralità conferita alla performatività delle pratiche artistiche, segnatamente alla capacità di coinvolgere in modo diretto e pervasivo gli spettatori (Dixon 2007). Cruciale, a questo proposito, è il contributo delle tecnologie digitali – “architetture liquide” (Novak 1991) – alla creazione di spazi performativi interattivi che intensificano la natura partecipativa e immersiva delle performances. La condivisione dello spazio scenico da parte di spettatori e performers è infatti indispensabile per la coproduzione di un’energia che, agendo come “forza trasformatrice”, schiude all’esperienza condivisa di scoperta di sé e dell’altro come unione di corpo e mente (Fischer-Lichte 2004).

Decisiva nel superamento della distinzione tra performers e spettatori è la messa in discussione della concezione tradizionale di spazio scenico e l’instaurazione di un rapporto inedito con l’ambiente naturale e urbano a partire dalla seconda metà del Novecento. L’individuazione, nello spazio scenico, di uno spazio “metonimico” inteso come un continuum del reale (Lehmann 1999), e l’elezione degli spazi urbani – strade, fabbriche, discariche, prigioni…– come luoghi di performances artistiche, rendono l’architettura un elemento chiave del processo fruitivo. Si tratta di superare una concezione di spazio come mero sfondo dell’azione sociale a spazio come dimensione implicata e circostanziante dell’azione (Casey 1997). “Ospiti di uno stesso spazio” (Ibid.), spettatori e performers operano una riattivazione degli spazi artistici, riattivazione che risulta a sua volta dall’influenza esercitata su di essi dagli spazi architettonici, che conferiscono la loro impronta – in forma di “corpografia” (Martínez Sánchez 2021) – a performers e spettatori inducendoli a scoprire modalità inedite di movimento, di espressione e di interazione. Naturalmente, soprattutto nel caso degli spazi abbandonati, le arti performative aprono anche alla possibilità di superare quella paralisi dell’azione sociale che contraddistingue la rovina (Simmel 1911), in qualche modo perpetuata dall’estetica del ruin porn (Siobhan 2018). La performance prelude dunque a possibili reinterpretazioni dello spazio nella direzione di un abitare possibile, che rimane la destinazione incarnata del costruire (Heidegger 1951, Ricoeur 2016).

L’esperienza corporea, affettiva e dinamica degli spazi architettonici da parte di performers e spettatori riattiva dunque la natura affettiva e performativa dell’architettura (Pallasmaa 2005), che appare essa stessa come un’arte performativa (Gomez 2013) che trae la sua vitalità dall’ospitare azioni corporee che, in modo performativo, si pongono in continuità con i processi corporei coinvolti nella costruzione degli spazi architettonici. La call si pone l’obiettivo di indagare i rapport tra architettura e arti performative sotto diversi aspetti e punti di vista. Alcuni degli argomenti che possono essere toccata sono indicate di seguito:

• La relazione tra performance e rappresentazione. La performance è normalmente considerata una pratica estetica che coinvolge artisti e spettatori nel qui ed ora dell’evento artistico. Mentre gli approcci rappresentazionali in estetica danno maggior risalto alla vista che agli altri sensi e conducono a ipostatizzare un soggetto osservatore separato dai suoi dintorni (Berleant 1991), un più forte accento sulle pratiche porta all’esaltazione del carattere multisensoriale, incarnato e immersivo dell’esperienza estetica. Tanto i paesaggi quanto gli ambienti urbani sono considerati diversamente negli approcci rappresentazionali e non-rappresentazionali. Inoltre, negli ultimi vent’anni è possibile riscontrare un interesse crescente per approcci non-rappresentazionali tanto in geografia umana (Thrift 2007) quanto in architettura (Kozlowski 2020). Si è comunque sostenuto che rappresentazioni e pratiche non dovrebbero essere contrapposte, dal momento che le rappresentazioni dello spazio giocano un ruolo centrale nella pianificazione e nella costruzione, contribuendo a dar forma ai significati delle pratiche medesime (Lorimer 2005). I papers proposti possono indagare questioni come: in che modo il performative turn abbia condizionato tanto la teoria quanto la pratica architettonica e come elementi rappresentazionali e non-rappresentazionali siano mescolati nelle pratiche architetturali contemporanee.

 

• Arti performative e arte pubblica. Un esempio emblematico della sinergia tra performatività dell’architettura e performatività delle arti di scena è costituito dall’impatto suscitato da performances basate sul coinvolgimento diretto del territorio e dei suoi abitanti. Nell’offrire un’esperienza collettiva partecipata, tali performances fungono da anello di congiunzione tra il privato e il pubblico – una forma di “commoning” (Chatterton 2010) – capace di trasformare lo spazio pubblico in spazio “comune” (Gurney 2015) la cui attivazione e riconnessione viene operata da parte dei fruitori stessi (Mitrache 2012). Si spiega così il coinvolgimento delle arti performative in progetti di rigenerazione urbana grazie alla loro capacità da un lato di valorizzare, veicolandola, l’azione performativa dei contesti architettonici e, dall’altro lato, di ispirare la progettazione architettonica stessa (Sieni 2021). Agendo essa stessa come un “performer” (Rufford 2019), l’architettura offre – anche secondo modalità sperimentali (Jackson 2011) – spazi che accolgono, simultaneamente, azioni performative “comunitarie” e prassi artistiche, rinsaldando il legame tra queste ultime e la vita quotidiana ed esaltandone la funzione sociale. Esempi: Fondazione Pistoletto (Biella), Centquarre#104 (Paris).

 

• Arti performative e questione ecologica: lungi dal porsi come luogo di prescrizione di pratiche normative circa il modo di costruire, vivere, e “agire” lo spazio, l’architettura è una pratica “performativa” di esplorazione di prassi artistiche e comportamentali inedite dentro e fuori i suoi confini (Rufford 2019). Opere architettoniche site-specific e performances site-specific fanno leva su tale aspetto, mettendo in scena la continuità e l’influenza reciproca tra ambiente, architettura e corporeità, realizzando una “ecologia performata” del soggetto (Giannetti, Stewart 2005). Si assiste così a una declinazione peculiare del rapporto tra arte e natura e tra estetica ed etica sondato dall’estetica ambientale e, in particolare, dall’estetica ecologica (Toadvine 2010). Tale nesso è altresì centrale nel dialogo tra le arti performative e i princìpi dell’ecological design (Fried, May 1992) e dell’“ecologia profonda” (Næss 1973, Perruchon 2021) nella direzione di una “svolta sostenibile” delle arti performative e del superamento del dualismo tra soggetto-oggetto, natura-cultura. Cruciale, a tale proposito, è l’introduzione della nozione di performatività all’interno il dibattito circa la “material agency” (Latour 1993, 1999, 2993, Cole & Bennett 2010, Brown 1998, Gell 1998), che consente di delineare il rapporto tra enti umani ed enti non umani come un rapporto di costituzione reciproca (Dalmasso 2020).

 

Deadline for submission: 15 aprile 2023

Expected Release: luglio 2023

Number of characters: between 25, 000 and 40, 000.

Submissions must be sent to:

Paolo Furia (paolo.furia@unito.it)

Serena Massimo (massimoserenak@gmail.com)

 

 

Itinera, 25 (2023)

How to Make an Earth? Aesthetics and New Cosmologies

Edited by Pierre Montebello and Gregorio Tenti

How to make-Earth, or how to make an Earth? How is an Earth different from a world? One can begin by noticing that, in Timothy Morton’s words, «world means significantly less than it used to». Since Kant denounced the possibility of conceiving a cosmic totality as a metaphysical reverie, “world” is no longer an objectifiable entity, but rather a form of access, a transcendental domain, an ontological and/or experiential bond. And nonetheless, “world” is still what can have an end. As it revels in the eventuality of the end of its world as the end of itself, mankind turns his gaze to other worlds, far from its native planet.

Whereas a world is the extension of a (personal or collective) ego, an Earth is what grounds and at the same time unsettle a worlding operation. Some 20th-century philosophies expressed this concept through the idea of a heterogeneous physis in which the categories of Being and Becoming collapse into each other (let us think of Whitehead’s Process and Reality, Merleau-Ponty’s The Visible and the Invisible, Simondon’s Individuation in Light of Notions of Form and Information). A neo-cosmological sensibility is taking hold in newer debates with different speculative outcomes, and the need of conceiving a cosmicity which does not overlap with the notion of world seems increasingly urgent.

In the field of aesthetics, the concept of Earth raises numerous and topical questions. The problems revolving around the idea of Earth-shaping, for instance, evoke a whole new view on making in general. How is it possible to transform what, by definition, transforms us? How can an Earth be shaped, or even built from scratch? And can an Earth be represented, or can it only be narrated? Can we still talk of Earth-narratives? The epoch in which symbolic and geologic doing seem irrevocably intertwined is the same epoch in which the human being has gained access, for the first time in its history, to a photographic depiction of its own planet. It is also a time that produces dramatically problematic narrations about itself and the future of the Earth we live with.

 

This issue of Itinera welcomes articles addressing the philosophical notion of Earth, with special regard to its aesthetic implications. Some of the topics that may be discussed are:

 

- Aesthetics and phenomenological cosmologies (Heidegger, Minkowski, Tymieniecka, Barbaras…)

- Aesthetics and living territories

- Cosmomorphic aesthetics and geoaesthetics

- Aesthetics and geophilosophy

- Cosmopoiesis and techno-ecological praxis (Sloterdijk, Haraway, Yuk Hui…)

- Cosmopoiesis in anthropology (Viveiros de Castro, Latour, Descola…)

- Artistic cosmological practices, representations of the Earth

- Post-world aesthetics

Deadline for submission: April 15^th, 2023

Expected Release: July 2023

Papers can be written in English, Italian and French.

 

 

Itinera, 25 (2023)

Comment faire une Terre ? Esthétique et nouvelles cosmologies

Sous la direction de Pierre Montebello et Gregorio Tenti

 

Comment faire-Terre, ou comment faire une Terre ? En quoi une Terre est-elle différente d’un monde ? On peut commencer par noter qu’aujourd’hui, pour le dire avec Timothy Morton, « le terme monde signifie beaucoup moins qu’auparavant ». Dès que Kant a dénoncé la possibilité de concevoir une totalité cosmique en tant que rêve métaphysique, « monde » n’est plus une entité objectivable, mais plutôt une forme d’accès, un domaine transcendantal, un lien ontologique et/ou expérientiel. Et pourtant, « monde » est encore ce qui peut avoir une fin. Lorsqu’elle considère l’éventualité de la fin de son propre monde comme fin de soi, l’humanité tourne son regard vers autres mondes, loin de sa planète d’origine.

Alors qu’un monde coïncide avec l’extension d’un ego (personnel ou collectif), une Terre fonde et à la fois appelle une opération différente. Certaines philosophies du XXème siècle ont parlé d’une physis hétérogène dans laquelle les catégories d’être et devenir se mêlent (il suffit de penser a Procès et réalité de Whitehead, a Le Visible et l’invisible de Merleau-Ponty, l’Individuation à la lumière de notions de forme et d’information de Simondon). Une sensibilité néo-cosmologique émerge dans les débats les plus récents avec des résultats différents : l’exigence de penser une forme de cosmicité qui ne se superpose pas à la notion de monde représente une urgence croissante.

Dans le domaine esthétique, le concept de Terre soulève nombreuses et importantes questionnes. Les problèmes qui tournent autour de l’idée de « faire-Terre », par exemple, évoquent un nouveau paradigme du faire en général. Comment est-il possible de transformer ce que, par définition, nous transforme ? Comment peut la Terre être formée, ou même bâtie ex novo ? Et encore : peut la Terre peut-elle être représentée, ou peut-elle seulement être narrée ? Peut-on parler encore de narrations de la Terre ? L’époque dans laquelle l’agir symbolique et l’agir géologique semblent irrévocablement imbriqués est en fait l’époque dans laquelle l’être humain a accès, pour la première fois dans son histoire, à une représentation photographique de sa planète ; un temps qui produit des narrations dramatiquement problématiques par rapport à soi-même et au futur de la Terre avec laquelle nous vivons.

 

Pour ce numéro de Itinera on prendra en considération des articles autour de la notion philosophique de Terre, particulièrement dans ses implications esthétiques. Des sujets qui pourraient être adressés sont :

 

- Esthétique et cosmologies phénoménologiques (Heidegger, Minkowski, Tymieniecka, Barbaras...)

- Esthétique et territoires vivantes

- Esthétique cosmomorphe et geoesthétique

- Esthétique et geophilosophie

- Cosmopoièse et praxis techno-écologiques (Sloterdijk, Haraway, Yuk Hui...)

- Cosmopoièse dans l’anthropologie (Viveiros de Castro, Latour, Descola...)

- Pratiques artistiques cosmologiques, représentations de la Terre

- Esthétiques du post-monde

Deadline for submission: April 15^th, 2023

Expected Release: July 2023

 

Itinera, 25 (2023)

Come fare una Terra? Estetica e nuove cosmologie

A cura di Pierre Montebello e Gregorio Tenti

Come fare-Terra, o come fare una Terra? In che cosa una Terra è diversa da un mondo? Si può cominciare notando che oggi, come scrive Timothy Morton, «il termine mondo ha un significato molto minore che in passato». Da quando Kant denunciò come fantasia metafisica la possibilità di concepire una totalità cosmica, “mondo” non è più un’entità oggettivabile, ma piuttosto una forma di accesso, un dominio trascendentale, un legame ontologico e/o esperienziale. E nonostante questo, “mondo” è ancora ciò che può avere una fine. Mentre considera l’eventualità della fine del proprio mondo come fine di sé, l’umanità volge lo sguardo verso altri mondi lontani dal suo pianeta natio.

Laddove un mondo è l’estensione di un ego (personale o collettivo), una Terra è ciò che fonda e insieme inquieta un’operazione di mondeggiamento. Alcune filosofie del XX secolo hanno espresso questo concetto nell’idea di una physis eterogenea in cui le categorie di essere e divenire collassano l’una sull’altra (si pensi al Whitehead di Processo e realtà, al Merleau-Ponty de Il visibile e l’invisibile, al Simondon dell’Individuazione alla luce delle nozioni di forma e informazione). Una sensibilità neo-cosmologica sta prendendo piede nei dibattiti più recenti con esiti speculativi differenti, e l’esigenza di pensare una forma di cosmicità non sovrapposta alla nozione di mondo sembra affacciarsi con urgenza crescente.

In ambito estetico, il concetto di Terra solleva numerosi e importanti questioni. I problemi che girano attorno all’idea di “fare-Terra”, per esempio, evocano un nuovo paradigma del fare in generale. Come è possibile trasformare ciò che, per definizione, ci trasforma? Come può una Terra essere formata, o addirittura costruita ex novo? E ancora: può una Terra essere rappresentata, o può solo essere narrata? È ancora possibile parlare di narrazioni della Terra? L’epoca in cui l’agire simbolico e quello geologico sembrano irrevocabilmente intrecciati è difatti anche l’epoca in cui l’essere umano ha accesso, per la prima volta nella sua storia, a una rappresentazione fotografica del suo pianeta; un’epoca che produce narrazioni drammaticamente problematiche riguardo a sé stessa e al futuro della Terra con cui viviamo.

 

Questo numero di Itinera accoglie articoli dedicati alla nozione filosofica di Terra, con particolare attenzione per le sue implicazioni estetiche. Alcuni argomenti che possono essere trattati sono:

 

- Estetica e cosmologie fenomenologiche (Heidegger, Minkowski, Tymieniecka, Barbaras...)

- Estetica e territori viventi

- Estetica cosmomorfa e geoestetica

- Estetica e geofilosofia

- Cosmopoiesi e prassi tecno-ecologiche (Sloterdijk, Haraway, Yuk Hui...)

- Cosmopoiesi in antropologia (Viveiros de Castro, Latour, Descola...)

- Pratiche artistiche cosmologiche, rappresentazioni della Terra

- Estetiche del post-mondo

Deadline for submission: April 15^th, 2023

Expected Release: July 2023

 

 

Itinera, 24 (2022)

The immortal Fascination of the Monster. Monstrous Births and human Phenomena between Normality and Deviation.

Edited by Marina Mascherini and Bruno Accarino 

Today wonders and prodigies are on the agenda and populate literature, cinema, art, philosophy. A new curiosity about deviance and normality has certainly contributed, and still contributes, to the fascination ascribable to the extraordinary and the marginal. Once the ideals of order and rationality entered deeply into crisis, wonder and the marvelous have assumed an unimaginable importance, especially in intellectual circles.

Why are all kinds of wonders and prodigies arousing so much interest?

The reason is that both contradict and destabilize an already variable, inconstant and heterogeneous nature. Monstrous births are one of the sensational events that cause wonder and astonishment and which we fully consider prodigies. In the literature on monsters and portents there have been some technical and conceptual difficulties in defining the scope of the subjects to be analysed. It is therefore important to clearly specify the type of phenomena that we intend to discuss: natural alterations and anomalies, deviations from the norm and abnormalities. We define the anomaly, that which is off the track, irregular, a derailment of development that generates nothing but change.

The human monster, the deformed, the monstrous births, the freaks; embryos whose development has been interrupted at a certain level and which Deleuze called bizarre and irregular, force us to deal with a second nature in the making.

It is by looking at the monster that man recognizes himself and acquires self-awareness, it is by observing this pole of attraction and repulsion at the same time that man reconstructs his own image.

The visual representation of the monstrosity, its aesthetic form, is that of the grotesque, the excessive, the caricature: exaggerated figures and shapes in motion that break the monotony by virtue of unexpected combinations. Between the coexistence of these contrasts and the reconstruction of a lost unity, the monster is manifestly such and the display of this monstrousness provokes and is present in all cultures. The monsters to be found in the Natural History Cabinets are not easily classifiable. They are as likely to be found in Curiosity cabinets as in circuses or in laboratories and anatomical tables.

These prodigies exhibit a high form of hybridization in which science and entertainment merge.

The analysis of the present perception of the monster is aimed at its ambiguity, presenting itself as a union of contrasting features that stand out on a horizon that leads back to otherness and difference.

Our fascination with freaks gives rises to confusion. These monsters whose fascinating and attractive characters inevitably intertwine with a contrasting shape, appear as horrible as they are attractive and bewitching.

Some examples of topics that may be addressed are:

• The marvellous and the prodigious between the 16th and 17th centuries.
• Monstrous births from the Middle Ages to the Enlightenment.
• Cabinets of curiosities, monstrous collections and uncanny sentiment.
• Studies on monsters between the 16th and 17th centuries in France and England.
• Naturalists, zoologists and anatomists in Europe between the 18th and 19th centuries.
• The Freaks: between science and entertainment.
• The anomaly and the deformed in art (painting, sculpture, architecture, theater, music)
• The monster in literature and/or cinema.
• The normal and the pathological: deviations from the norm.

The support of iconographic material combined with sources and captions is desirable, useful for grasping the object of analysis with a certain degree of clarity and concreteness.

Paper can be written in Italian, English or French 

Deadline for submission: 15th April 2023

Expected Release: July 2023

Editors:

Marina Mascherini (marina.mascherini@unifi.it)

Bruno Accarino (bruno.accarino@unifi.it)

 

 

 

 

 

Itinera, 23 (2022)

Aesthetics, Technique and Emotion

Edited by Alice Barale, Claudio Rozzoni

In June 2020, a Summer School was organized to discuss the topics of aesthetics, technique and emotion. The School was led by the University of Milan in collaboration with the European Seminar of Aesthetics at the Lake Como School of Advanced Studies (https://aeat.lakecomoschool.org/). This issue of Itinera aims to develop this discussion further.

What is aesthetics, and what value can this question have today? Indeed, many changes are occurring nowadays in our aesthetic perception of the world. Against this backdrop, the boundaries of arts are also becoming more and more difficult to determine – considering, for example, the new challenges posed by art created by (or through) artificial intelligence, or the new productive possibilities offered by virtual reality. Moreover, aesthetic/artistic value is increasingly attributed to many aspects of our everyday life, like the images that we exchange daily via mobile phones and websites. In this context, the issue also arises regarding the nature of emotions raised by these new types of art: are they of the same type as those of real life, or are they different in some way?

In the face of these innovations, what tools for thinking can be provided by aesthetics, a discipline that was born in the eighteenth century, in a necessarily very different cultural environment? Moreover, what role can categories such as beauty, ugliness, sublime, kitsch, or concepts such as genius, creation and taste play today? How is it possible to rethink our idea of the art and the artist, or the relationship between the artists and the techniques used in their works?

Topics include but are not limited to:

• Art and performativity in virtual environments
• Art, creation and artificial intelligence
• Contemporary Art, Morality and Politics
• Relationships between philosophy and the different artforms
• Different approaches to the study of emotions elicited by art, particularly with respect to interdisciplinary approaches (both continental and analytic philosophy, psychology, cognitive sciences and neurosciences).

Deadline for submission: April 15^th, 2022

Expected Release: July 2022

Editors: Alice Barale, Claudio Rozzoni

 

 

 

 

 

Itinera, 23 (2022)

Colour. Photography, Image, Reality

Edited by Andrea Mecacci, Gabriele Gambaro, Marcello Sessa, Linda Bertelli

The use of colour in photographic and cinematographic image-making has been largely discussed over the 20^th century. Philosophers, art theorists, and media researchers have contributed to broaden the debate on the specific tense between realty and fiction, which has always characterized images.

The all-pervading digital technologies, the ensuing proliferation of images, and the ever increasing prompt access to techniques of photographic manipulation, have originated new attitudes and practices linked to the creation of images, to their use and fruition. Such innovations, deeply innervated in the tissue of our lives (both individual and social), allow the discussion on the status of the image – and not just the photographic one – to unfold the contemporary dimension and renew the actual analysis of the relationship between image and reality. Image can be considered as a factual, objective evidence of the external world as well as a subjective re-representation of it.

Colour reflects this “fluid” nature of the image today: it points out and questions at the same time every kind of identity. It can be the opportunity to examine every pattern of recognition (that can be ours or of others, human or non-human). Thus, the reflection on images encounters the philosophical debate on colour, the latest seen as reality or as subjective illusion. Additionally, the investigation on colour itself can contribute to the discussion on the relationship between image and reality.

Can the choice of a specific colour define the emotional tone of an image? In which ways can chromatic changes redefine experience and perception? Can the complexity of digital information flows be reduced by aesthetic quality of colours? Finally, which is the role of the sensible capacity of colour in making sense of a reality ever more conveyed by images?

A group of scholars tried to respond to these questions at the webinar “Photography, Reality, Colour” (University of Milan, 19^th November 2020). The issue n. 23 of Itinera – concerning “Colour. Photograhy, Image, Reality” – aims to follow the same path with further steps. Namely, with additional contributions that study the image/reality dialectic moving from colour.

We are asking you to address the issue with multidisciplinary research tools (e.g.: art history, art criticism, theory of art, theory of image, semiotics, visual and media studies, digital humanities), with consideration of the starting and fundamental aesthetic framework, represented here by the reflection on colour.

Among the suggested topics of research:

• Colour as writing
• Colour in the shift from analogic to digital image
• The use of the sensible capacity of colour in Data Visualization
• Colour and socio-cultural re-narrations

Articles written in English, French and Italian are welcomed. Papers can be long from 25.000 to 40.000 characters (final bibliography excluded), and must be written in accordance with Itinera’s editorial standards: https://riviste.unimi.it/index.php/itinera/norme

Deadline for submissions: 15^th February 2022

Expected release: July 2022

Submission must be sent via e-mail to the editors not later than 15^th February 2022:

Andrea Mecacci (andrea.mecacci@unifi.it)

Gabriele Gambaro (gabrielegambaro@gmail.com)

Marcello Sessa (marcello.sessa@phd.unipi.it)

Linda Bertelli  (linda.bertelli@imtlucca.it)

 

Itinera, 23 (2022)

Colore. Fotografia, Immagine, Realtà

A cura di Andrea Mecacci, Gabriele Gambaro, Marcello Sessa, Linda Bertelli

L’utilizzo del colore nelle immagini fotografiche e cinematografiche è stato ampiamente dibattuto nel corso del Novecento. Gli spunti offerti da filosofi, teorici dell’arte e studiosi dei media hanno contribuito all’ampliamento della discussione sulla particolare tensione tra realtà e finzione che da sempre attraversa l’immagine.

La pervasività delle tecnologie digitali, la proliferazione di immagini che ne deriva e l’accesso sempre più immediato a tecniche di manipolazione fotografica, hanno sviluppato nuove sensibilità e pratiche associate alla fruizione, all’uso e alla creazione di immagini. A fronte di queste innovazioni innervate nei tessuti delle nostre vite individuali e sociali, il dibattito sullo statuto dell’immagine – fotografica e non solo – si apre a una dimensione contemporanea in grado di offrire una riflessione attuale sul rapporto tra realtà e immagine, intesa ora come testimonianza oggettiva del mondo esterno e ora come sua ri-rappresentazione soggettiva.

Il colore riflette questo carattere “fluido”, facendo emergere e mettendo in causa al tempo stesso ogni identità. Il colore è qui più che mai possibilità di forma e interrogazione sui criteri di ogni riconoscimento (nostro e altrui, umano e non-umano). La riflessione sull’immagine incontra così il dibattito filosofico sul colore, considerato ora come realtà e ora come illusione soggettiva. E a sua volta, l’indagine sul colore sembra poter contribuire alla discussione sul rapporto tra realtà e immagine.

La scelta di un determinato colore può determinare la tonalità emotiva di un’immagine? In che modo le modificazioni cromatiche possono ridefinire un’esperienza e la sua stessa percezione? La complessità dei flussi informativi digitali può essere ridotta attraverso le qualità estetiche dei colori? Infine, quale ruolo assume l’offerta sensibile del colore nel dare senso a una realtà sempre più veicolata da immagini?

A queste domande si è provato a rispondere in un webinar organizzato dall’Università degli Studi di Milano il 19 novembre 2020, significativamente intitolato “Fotografia, realtà, colore”. Il numero 23 di Itinera – dedicato a “Colore. Fotografia, immagine, realtà” – vorrebbe proseguire questo cammino e arricchirlo di ulteriori contributi, che analizzino il rapporto tra immagine e realtà con un approccio teorico che muova proprio dal dato cromatico.

Si invita dunque ad accostare il problema con strumenti di ricerca multidisciplinari (per esempio: storia, critica e teoria dell’arte, teoria dell’immagine, semiotica, cultura visuale, digital humanities) senza dimenticare la cornice estetologica di base, qui incarnata dalla riflessione sul colore, per interrogarsi sul ruolo del colore nelle trasformazioni che investono lo statuto dell’immagine e, più specificatamente, della relazione di quest’ultima con la realtà.

Tra i possibili argomenti da affrontare, solo a titolo di esempio:

• Il colore come scrittura
• Il colore nel passaggio da immagine analogica a digitale
• L’utilizzo delle qualità estetiche dei colori nella Data Visualization
• Il colore e ri-narrazioni socioculturali

Si accettano articoli in inglese, francese e italiano. Ciascun contributo dovrà essere compreso tra i 25.000 e i 40.000 caratteri (bibliografia finale esclusa), e dovrà rigorosamente attenersi alle norme redazionali di Itinera, consultabili sul sito della rivista al seguente link:

https://riviste.unimi.it/index.php/itinera/norme

Deadline for submissions: 15 febbraio 2022

Expected release: luglio 2022

I saggi vanno inviati entro il 15 febbraio 2022 agli indirizzi e-mail dei curatori:

Andrea Mecacci (andrea.mecacci@unifi.it)

Gabriele Gambaro (gabrielegambaro@gmail.com)

Marcello Sessa (marcello.sessa@phd.unipi.it)

Linda Bertelli  (linda.bertelli@imtlucca.it)

Gli articoli selezionati saranno poi sottoposti a un processo di double blind peer review.

 

Itinera, 22 (2021)

Diderot: Space and Movement

Edited by Valentina Sperotto

 

Newton and modern science, especially Mathematics and Physics, have completely changed the concepts of space and movement. Unlike other thinkers of that century, among whom Immanuel Kant stands for his remarkable thought, the new concepts of space and movement don’t seem to have influenced Diderot’s thinking effectively.

In his analysis about ontological and representational elaboration of these concepts in Diderot’s works, François Pépin has pointed out that the philosopher didn’t reject the universal and abstract conception of space claimed by mechanism and Newtonianism. Space wasn’t a central notion in Diderot’s materialistic philosophy. In fact, in his works there is an elaboration of that concept which can be defined as aside. Space is not a neutral physic space but it is more similar to something dynamic, concrete and plural.

Jean Starobinski has shown that, in aesthetic field, XVIIIth century represents a moment of overthrowing the hierarchical organization of space, which was a typical and central perspective of Art in the previous centuries. Multiplication of points of view and variation of the movement of the scene are emblematic of this period, also on a symbolic level. In Diderot’s considerations upon Arts there are elements close to that conception of space and movement.

Moreover, in his Salons Diderot seems to consider paintings as dynamic and crossing spaces experienced through description and imagination. Many questions arise connected to this statement: in what way the rhetoric figure of ekphrasis used by Diderot contributes to this effect? How does the philosopher conceive space in paintings? And in sculpture? What is the relation between space and movement in visual Arts? Just to list a few examples.

The reflection about space and movement does not only concern visual Arts, it comes to light even in the pages dedicated to dramatic Art and in literary works.

It is known that Diderot’s reflection about theatre represents a fundamental contribution for the innovation of the scene and of the genres, particularly with the introduction of the new bourgeois’ drama. There are some interesting philosophical elements about space and movement’s conception even in this field. For example, the conception of the theatrical scene as a succession of pictures or the concept of movement as gesture and pantomime. It can be considered also the decisive debate of that time about the role of theatre in society and the different idea of the theatrical space conceived by Diderot and Rousseau.

Finally, space is a crucial element also in novels and tales where it is integral part of the interactions between characters. Especially in Jacques le fataliste et son maître, the characters are constantly moving and this aspect can be seen through a philosophical point of view. How has Diderot envisaged the places that the protagonist passes through or stays in? What is the relation between characters and places? How space and movement are represented in others novels and tales? The answers to these questions bring out new aspects that have not been touched by literary critics yet.

Topics include but are not limited to:

 

- The concept of space in Diderot’s works of aesthetics (painting, sculpture, architecture, theatre, literature, music);

- The concept of movement in Diderot’s works of aesthetics (painting, sculpture, architecture, theatre, literature, music).

- The relation between space and movement in Diderot’s works of aesthetics (painting, sculpture, architecture, theatre, literature, music).

- The comparison between Diderot’s concepts of space and movement in aesthetics and other contemporary authors.

 

Deadline for submission: 15th July 2021

Expected Release: December 2021

Editor: Valentina Sperotto (sperottovalentina@gmail.com)

Itinera, 21 (2021)

Is the sublime now?

The sublime is a concept that has never ceased to attract and to fascinate scholars. In its classical formulation, it dates back to the eighteenth century, but some of the issues that characterize its origin – such as the border between representation and the unrepresentable, or between form and formless, pleasure and terror – return strongly in contemporary thinking. In this regard, opinions are divided. Is the sublime an already outdated notion that can only be discussed from a historical point of view? Or does it also contain important elements for the current philosophical debate? Moreover, have the transformations that the sublime has undergone in the contemporary world substantially distorted it, or have they instead brought to light some new possible implications of this concept? This issue of "Itinera" is dedicated to these and other similar questions, starting from the traditional definitions of the sublime between the eighteenth and nineteenth centuries, until its most recent interpretations. Some examples of topics that may be addressed are:

• The traditional definitions of the sublime and their implications for the current philosophical
  debate
• The history of the reception (or less favourable fortunes) of the sublime
• The sublime in the arts, from the eighteenth century to today
• The sublime and the relationship between man and nature
• The possible contemporary interpretations of the sublime
• The sublime and color
• The sublime and neuroscience
• The sublime and wonder: psychological and pedagogical approach
• The sublime and awe: complex experiences and transformation in psychology

Papers can be written in Italian, English, Spanish or French

Deadline for submission: 30th April 2021

Expected Release: July 2021

Editors:
Alice Barale (alice.barale@unifi.it)
Alice Chirico (alice.chirico@unicatt.it)
Claudio Rozzoni (claudio.rozzoni@gmail.com)